César Peredo nos escribe contándonos acerca de lo nuevo que tiene publicado en los EE. UU.
Interesante trabajo, Cesítar.
Aquí están los links
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Nuevas publicaciones de mi musica en EEUU
Holas:
Sólo para contarles que el día de hoy se publicaron en EEUU tres obras nuevas de mi autoria
Comparto con ustedes los links
http://www.alrypublications.com/peredo-fantasia-no-1/
http://www.alrypublications.com/peredo-three-fantasias/
Saludos,
César.
domingo, 3 de junio de 2012
Clase maestra de Dirección Orquestal Lunes 4 y miércoles 6 de junio
Promocion de Actividades Musicales actmus@cnm.edu.pe
Clase maestra de Dirección Orquestal y cronograma de presentaciones del Conservatorio
Estimados amigos:
Los invitamos a presenciar la Clase Maestra de Dirección Orquestal a cargo del maestro Marnix Willem Steffen (Holanda), actual Director de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música.
La cita es este lunes 4 y el miércoles 6 de junio a las 3:30 pm.en nuestra sede principal del Jr. Carabaya Nº 421 – Lima.
Del mismo modo hacemos llegar el cronograma de presentaciones programadas para la primera quincena de junio.
Ingreso libre.
Los esperamos!!
Cordialmente
Dirección de Promoción de Actividades Musicales y de Extensión Cultural
Conservatorio Nacional de Música
Jr. Carabaya Nº 421, Lima
Teléfonos: 4265764 / 426 9677 anexo 107
975575410 – RPM *893057
975575415 – RPM *893058
actmus@cnm.edu.pe
http://www.cnm.edu.pe/
http://www.facebook.com/Conservatorio.Nacional.de.Musica
Twitter https://twitter.com/ConserMusiPeru
Estimados amigos:
Los invitamos a presenciar la Clase Maestra de Dirección Orquestal a cargo del maestro Marnix Willem Steffen (Holanda), actual Director de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música.
La cita es este lunes 4 y el miércoles 6 de junio a las 3:30 pm.en nuestra sede principal del Jr. Carabaya Nº 421 – Lima.
Del mismo modo hacemos llegar el cronograma de presentaciones programadas para la primera quincena de junio.
Ingreso libre.
Los esperamos!!
Cordialmente
Dirección de Promoción de Actividades Musicales y de Extensión Cultural
Conservatorio Nacional de Música
Jr. Carabaya Nº 421, Lima
Teléfonos: 4265764 / 426 9677 anexo 107
975575410 – RPM *893057
975575415 – RPM *893058
actmus@cnm.edu.pe
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Celebraciones por el Día de la Cultura Afroperuana
INTERCULTURALIDAD
Celebraciones por el Día de la Cultura Afroperuana
En el año 2006, el Congreso de la Republica declaró el 04 de junio como el Día de la Cultura Afroperuana, a través de la ley N° 28761. La fecha fue propuesta en homenaje al gran Nicomedes Santa Cruz. En el marco de esta importante fecha, el Ministerio de Cultura desarrolla una serie de acciones orientadas a la visibilización, reconocimiento y generación de políticas públicas a favor de la población afroperuana.
Según advierte la Defensoría del Pueblo en su informe “Los Afrodescendientes en el Perú: una aproximación a su realidad y al ejercicio de sus derechos”, los afroperuanos viven en una situación de vulnerabilidad, postergación e invisibilidad que genera un impacto negativo en el ejercicio pleno de sus derechos.
En tal sentido, el Ministerio de Cultura se encuentra implementando una serie de acciones favorables a los afroperuanos; entre ellas, el Plan Nacional para la población afroperuana que busca orientar las políticas del Estado a este importante sector de la población.
En la misma línea, el viceministro de Interculturalidad, Iván Lanegra dio a conocer que se creará en breve una dirección exclusivamente para la población afroperuana, cuyo objetivo es atender sus necesidades e incorporarlas en las distintas políticas sociales que lleva adelante el Gobierno.
Conmemorando esta fecha, el 04 de junio a las 9 hrs. se realizará el diálogo multisectorial “Construyendo Agendas, Población Afrodescendiente en el Perú”, en el auditorio del PNUD, Complejo Javier Pérez de Cuellar (Av. Pérez Araníbar 750, Magdalena del Mar).
El jueves 7, a las 18 hrs., se presentará el documental “El Hatajo de Negritos y las Pallitas”, dos importantes danzas de la costa central del Perú -profundamente asociadas a las poblaciones afrodescendientes del distrito de El Carmen, en Chincha- que han sido consideradas para la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Nación.
Tras el documental, el Ministerio de Cultura, entregará la distinción de “Personalidad Meritoria de la Cultura”, a cinco representantes de la herencia cultural afroperuana: Roberto Arguedas Caycho, Juan Medrano Cotito, Teresa Palomino Ormeño, Rafael Santa Cruz Castillo y, un reconocimiento póstumo a José “Pepe” Luciano. La ceremonia será en la sala Nasca del Ministerio de Cultura.
Posteriormente, los días 12, 19, 26 de junio y 3 de julio, a las 17.45 hrs., se desarrollarán conversatorios en relación a la “Población Afroperuana, una agenda pendiente”. La sede es el Museo Nacional Afroperuano (Jr. Ancash 542. Lima). El ingreso es libre. Puede obtener información adicional en el teléfono 6189393, anexo 2547.
Celebraciones por el Día de la Cultura Afroperuana
En el año 2006, el Congreso de la Republica declaró el 04 de junio como el Día de la Cultura Afroperuana, a través de la ley N° 28761. La fecha fue propuesta en homenaje al gran Nicomedes Santa Cruz. En el marco de esta importante fecha, el Ministerio de Cultura desarrolla una serie de acciones orientadas a la visibilización, reconocimiento y generación de políticas públicas a favor de la población afroperuana.
Según advierte la Defensoría del Pueblo en su informe “Los Afrodescendientes en el Perú: una aproximación a su realidad y al ejercicio de sus derechos”, los afroperuanos viven en una situación de vulnerabilidad, postergación e invisibilidad que genera un impacto negativo en el ejercicio pleno de sus derechos.
En tal sentido, el Ministerio de Cultura se encuentra implementando una serie de acciones favorables a los afroperuanos; entre ellas, el Plan Nacional para la población afroperuana que busca orientar las políticas del Estado a este importante sector de la población.
En la misma línea, el viceministro de Interculturalidad, Iván Lanegra dio a conocer que se creará en breve una dirección exclusivamente para la población afroperuana, cuyo objetivo es atender sus necesidades e incorporarlas en las distintas políticas sociales que lleva adelante el Gobierno.
Conmemorando esta fecha, el 04 de junio a las 9 hrs. se realizará el diálogo multisectorial “Construyendo Agendas, Población Afrodescendiente en el Perú”, en el auditorio del PNUD, Complejo Javier Pérez de Cuellar (Av. Pérez Araníbar 750, Magdalena del Mar).
El jueves 7, a las 18 hrs., se presentará el documental “El Hatajo de Negritos y las Pallitas”, dos importantes danzas de la costa central del Perú -profundamente asociadas a las poblaciones afrodescendientes del distrito de El Carmen, en Chincha- que han sido consideradas para la declaratoria de Patrimonio Cultural de la Nación.
Tras el documental, el Ministerio de Cultura, entregará la distinción de “Personalidad Meritoria de la Cultura”, a cinco representantes de la herencia cultural afroperuana: Roberto Arguedas Caycho, Juan Medrano Cotito, Teresa Palomino Ormeño, Rafael Santa Cruz Castillo y, un reconocimiento póstumo a José “Pepe” Luciano. La ceremonia será en la sala Nasca del Ministerio de Cultura.
Posteriormente, los días 12, 19, 26 de junio y 3 de julio, a las 17.45 hrs., se desarrollarán conversatorios en relación a la “Población Afroperuana, una agenda pendiente”. La sede es el Museo Nacional Afroperuano (Jr. Ancash 542. Lima). El ingreso es libre. Puede obtener información adicional en el teléfono 6189393, anexo 2547.
miércoles, 30 de mayo de 2012
TE CANTO ARENA
Industrias Culturales y las Artes del Ministerio de Cultura nos envía la siguiente invitación
TE CANTO ARENA
2º Festival de música de autor de Villa El Salvador
Invitación
Lucho Quequezana, Daniel "Kiri" Escobar, Fernando Rentería, Enrique Alvizuri, Lalo Salazar, Colectivo Circo Band, Los últimos incas, Argonautas, Menores de edad, Fabiola Bernardo, C4, Tony Mercer, Warma Llaki, Sangaye, La Mila, Dayan-Erik, Michel Rojas, Abandoanada, Santiago Miranda, músicos de Bolivia, Colombia, Chile, Francia, junto a artistas locales estarán presentes en
Te Canto Arena 2do Festival de Música de Autor de Villa El Salvador
El Festival representa un tiempo para festejar la vida en comunidad, un registro de los hechos históricos, una bocina del pensamiento colectivo y un instrumento para generar conciencia sobre las injusticias e inequidades.
La programación incluye conversatorios sobre Música y Culturas del Mundo a cargo del etnomusicólogo Carlos Odría de la Universidad de La Florida-EEUU, el 1er Concurso Juvenil de Música de Autor, presentación de cortos y performances de teatro, danza y circo.
Músicos y artistas comprometidos le cantarán a la IDENTIDAD de Villa El Salvador, a la DIVERSIDAD de sus vecinos, al coraje de sus MUJERES, a su lucha por el AGUA y a la esperanza ferviente por alcanzar el BUEN VIVIR
31 de mayo, 07, 14, 21 y 27 de junio de 7 a 10pm en la Casa Cultural Comunitaria Arena y Esteras de Villa El Salvador, Sector 3 Grupo 24 Mz. E Lote 9 (frente Parque Zonal Huáscar)
Agradecemos a:
Amigos de Villa, Amnistía Internacional, Daniel “Kiri” Escobar, DEMUS, Docuperú, Estefanía y Jai, Ministerio de Cultura, NAPA, RECREA-Univ. de Lima, Red Joven Sur
Adjuntamos programación
http://tecantoarena.blogspot.com/
Arena y Esteras "Por el Derecho a la Sonrisa" http://www.arenayesteras.org/
TE CANTO ARENA
2º Festival de música de autor de Villa El Salvador
Invitación
Lucho Quequezana, Daniel "Kiri" Escobar, Fernando Rentería, Enrique Alvizuri, Lalo Salazar, Colectivo Circo Band, Los últimos incas, Argonautas, Menores de edad, Fabiola Bernardo, C4, Tony Mercer, Warma Llaki, Sangaye, La Mila, Dayan-Erik, Michel Rojas, Abandoanada, Santiago Miranda, músicos de Bolivia, Colombia, Chile, Francia, junto a artistas locales estarán presentes en
Te Canto Arena 2do Festival de Música de Autor de Villa El Salvador
El Festival representa un tiempo para festejar la vida en comunidad, un registro de los hechos históricos, una bocina del pensamiento colectivo y un instrumento para generar conciencia sobre las injusticias e inequidades.
La programación incluye conversatorios sobre Música y Culturas del Mundo a cargo del etnomusicólogo Carlos Odría de la Universidad de La Florida-EEUU, el 1er Concurso Juvenil de Música de Autor, presentación de cortos y performances de teatro, danza y circo.
Músicos y artistas comprometidos le cantarán a la IDENTIDAD de Villa El Salvador, a la DIVERSIDAD de sus vecinos, al coraje de sus MUJERES, a su lucha por el AGUA y a la esperanza ferviente por alcanzar el BUEN VIVIR
31 de mayo, 07, 14, 21 y 27 de junio de 7 a 10pm en la Casa Cultural Comunitaria Arena y Esteras de Villa El Salvador, Sector 3 Grupo 24 Mz. E Lote 9 (frente Parque Zonal Huáscar)
Agradecemos a:
Amigos de Villa, Amnistía Internacional, Daniel “Kiri” Escobar, DEMUS, Docuperú, Estefanía y Jai, Ministerio de Cultura, NAPA, RECREA-Univ. de Lima, Red Joven Sur
Adjuntamos programación
http://tecantoarena.blogspot.com/
Arena y Esteras "Por el Derecho a la Sonrisa" http://www.arenayesteras.org/
MANUEL CUADROS BARR EN CONCIERTO
MANUEL CUADROS BARR EN CONCIERTO
El maestro Manuel Cuadros nos escribe para comunicarnos de su próximo concierto. Ver afiche.
Estimados amigos:
En su Tercer Concierto, La Coral de Surco ofrecerá un Programa con obras de MOZART: "Te Deum", "Misa de los Gorriones", arias y duos de diversas óperas y el célebre Concierto "Il Gardellino" (El Ruiseñor) para flauta y cuerdas de Antonio VIVALDI. Los ejecutantes, aparte de La Coral, serán conocidos solistas y una Orquesta de Cámara, todos bajo la conducción de Manuel Cuadros Barr. El ingreso será LIBRE
Los esperamos!
Con el ruego de su difusión...
Un abrazo,
MCB
Estimados amigos:
En su Tercer Concierto, La Coral de Surco ofrecerá un Programa con obras de MOZART: "Te Deum", "Misa de los Gorriones", arias y duos de diversas óperas y el célebre Concierto "Il Gardellino" (El Ruiseñor) para flauta y cuerdas de Antonio VIVALDI. Los ejecutantes, aparte de La Coral, serán conocidos solistas y una Orquesta de Cámara, todos bajo la conducción de Manuel Cuadros Barr. El ingreso será LIBRE
Los esperamos!
Con el ruego de su difusión...
Un abrazo,
SE ABREN CONVOCATORIAS PARA EL FOMENTO DE LA MÚSICA IBEROAMERICANA - IBERMÚSICAS
El Ministerio de Cultura anuncia la apertura de convocatorias para ayudas del Programa de Fomento de las Músicas Iberoamericanas, IBERMÚSICAS, un esquema multilateral de cooperación que pretende fomentar la presencia y el conocimiento de la diversidad cultural iberoamericana en las artes musicales, estimulando la formación de nuevos públicos en la región y ampliando el mercado de trabajo de los profesionales del ramo.
“Para nuestro país es importante ser parte de este proyecto porque impulsa y ayuda al desarrollo artístico de nuestros músicos y creadores. Así como IBERMEDIA en el cine e IBERESCENA en el teatro, ahora es el turno de la música. IBERMÚSICAS va a propiciar una mayor integración de los artistas peruanos con los de otros países y será un estímulo para la creación y difusión musical”; resaltó el ministro de Cultura, Luis Peirano Falconí.
IBERMÚSICAS, es un proyecto puesto en marcha por primera vez, gracias a la iniciativa de diez países de la región (Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Perú, República Dominicana y Uruguay), que se origina en la XXI Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno celebrada en Paraguay el pasado año.
El Programa de Fomento de las Músicas Iberoamericanas espera beneficiar al menos siete proyectos del continente, entre artistas, agrupaciones, instituciones y certámenes de los países miembros. La idea del programa es buscar que cada creador musical pueda entregar contenidos de interés y promover el intercambio entre profesionales y aficionados de la música.
En este marco, se han abierto siete convocatorias divididas en tres áreas de ejecución: Residencias artísticas de compositores, Festivales para la programación de solistas, ensambles, músicos y grupos, y Redes, circuitos y ciclos para la programación de solistas y grupos.
El apoyo para Residencias artísticas de compositores, busca apoyar residencias para la creación musical realizadas por creadores/as de música académica de los países miembros del Programa IBERMÚSICAS, a fin de incentivar estas actividades con plena libertad creativa.
En tanto, las convocatorias de ayudas a Festivales, Redes, Circuitos y Ciclos musicales de origen público o privado, se dirigen a apoyar, tanto las propuestas musicales contemporáneas y/o de creación actual, como las que preserven y difundan la diversidad cultural de nuestros países.
Las solicitudes pueden presentarse desde el 16 de mayo al 27 de julio de 2012, en las oficinas de la Dirección de Artes y Acceso a la Cultura del Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465. San Borja). La información detallada se encuentra en la página web del Ministerio de Cultura (www.mcultura.gob.pe) y del Programa IBERMÚSICAS (www.ibermusicas.org).
“Para nuestro país es importante ser parte de este proyecto porque impulsa y ayuda al desarrollo artístico de nuestros músicos y creadores. Así como IBERMEDIA en el cine e IBERESCENA en el teatro, ahora es el turno de la música. IBERMÚSICAS va a propiciar una mayor integración de los artistas peruanos con los de otros países y será un estímulo para la creación y difusión musical”; resaltó el ministro de Cultura, Luis Peirano Falconí.
IBERMÚSICAS, es un proyecto puesto en marcha por primera vez, gracias a la iniciativa de diez países de la región (Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, Perú, República Dominicana y Uruguay), que se origina en la XXI Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno celebrada en Paraguay el pasado año.
El Programa de Fomento de las Músicas Iberoamericanas espera beneficiar al menos siete proyectos del continente, entre artistas, agrupaciones, instituciones y certámenes de los países miembros. La idea del programa es buscar que cada creador musical pueda entregar contenidos de interés y promover el intercambio entre profesionales y aficionados de la música.
En este marco, se han abierto siete convocatorias divididas en tres áreas de ejecución: Residencias artísticas de compositores, Festivales para la programación de solistas, ensambles, músicos y grupos, y Redes, circuitos y ciclos para la programación de solistas y grupos.
El apoyo para Residencias artísticas de compositores, busca apoyar residencias para la creación musical realizadas por creadores/as de música académica de los países miembros del Programa IBERMÚSICAS, a fin de incentivar estas actividades con plena libertad creativa.
En tanto, las convocatorias de ayudas a Festivales, Redes, Circuitos y Ciclos musicales de origen público o privado, se dirigen a apoyar, tanto las propuestas musicales contemporáneas y/o de creación actual, como las que preserven y difundan la diversidad cultural de nuestros países.
Las solicitudes pueden presentarse desde el 16 de mayo al 27 de julio de 2012, en las oficinas de la Dirección de Artes y Acceso a la Cultura del Ministerio de Cultura (Av. Javier Prado Este 2465. San Borja). La información detallada se encuentra en la página web del Ministerio de Cultura (www.mcultura.gob.pe) y del Programa IBERMÚSICAS (www.ibermusicas.org).
martes, 29 de mayo de 2012
"El Clavecín instrumento solista y en Música de Cámara" 30 de mayo a las 19:30 Ana Savarain de Graf
Recibimos con mucho agrado la comunicación de la Maestra Anita Savarañín para el concierto de hoy.
Participarán sus alumnos del Conservatorio Nacional de Música.
Invita al concierto, el Director General del CNM, Fernando De Lucchi.
Después de esto, Anita viajará a Viena; pero regresa para continuar con sus alumnos.
De: Ana Savarain de Graf
Enviado: Martes, 29 de mayo, 2012 6:04 P.M.
Asunto: FW: Invitación Concierto de Clavec{in
ASG.
Estimados amigos y amigas: Para invitarlos al Concierto de Clavecín
"El Clavecín instrumento solista y en Música de Cámara"
Música de Europa y América Latina, siglos XVII, XVIII y XX
Con la participación de los alumnos de la profesora Ana Savaraín Bustillo
A realizarse el miércoles 30 de mayo a las 19:30 horas en el auditorio "Julio Ramón Ribeyro" del Centro Cultural Ricardo Palma, sito Av. Larco 770, Miraflores.
Atentamente
Edward Sánchez Cornejo
Participarán sus alumnos del Conservatorio Nacional de Música.
Invita al concierto, el Director General del CNM, Fernando De Lucchi.
Después de esto, Anita viajará a Viena; pero regresa para continuar con sus alumnos.
De: Ana Savarain de Graf
Enviado: Martes, 29 de mayo, 2012 6:04 P.M.
Asunto: FW: Invitación Concierto de Clavec{in
ASG.
Estimados amigos y amigas: Para invitarlos al Concierto de Clavecín
"El Clavecín instrumento solista y en Música de Cámara"
Música de Europa y América Latina, siglos XVII, XVIII y XX
Con la participación de los alumnos de la profesora Ana Savaraín Bustillo
A realizarse el miércoles 30 de mayo a las 19:30 horas en el auditorio "Julio Ramón Ribeyro" del Centro Cultural Ricardo Palma, sito Av. Larco 770, Miraflores.
Atentamente
Edward Sánchez Cornejo
"Ichuq parwanta" n. 3 de Aurelio Tello y muchos más peruanos este 1 de junio en la OSN
Aurelio Tello nos adelanta que este viernes 1 de junio en la temporada de otoño de la OSN ejecutarán una de sus obras,"Ichuq parwanta", n. 3. (..."En ella pretendo desarrollar un lenguaje que manifieste mi origen y mi visión del mundo" ... "La compuse evocando el dulce recuerdo de mi madre muerta.” )
Encontramos en el programa que nos envía, junto con él, a Gonzalo GarridoLecca, Jorge Villavicencio, José Sosaya y José Carños Campos, nombres muy queridos también entre nosotros.
Brillante idea la de esta programación.
Aquí el mensaje de Aurelio, que trae toda la información.
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Queridos todos:
Los invito a escuchar mi pieza "Ichuq parwanta" n. 3 para marimba y piano.
saludos
tello
Adjunto programa.
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MINISTERIO DE CULTURA
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
TEMPORADA INTERNACIONAL DE OTOÑO 2012
Viernes 01 de junio – 8:00 p.m.
Auditorio Los Incas del Museo de la Nación
Director titular : Fernando Valcárcel
“Las Nuevas Generaciones Peruanas” (después del 50)
Programa
I
Aurelio Tello Ichuq Parwanta No. 3, para marimba y piano
Marimba : Mabel García
Piano : Fernando Valcárcel
Gonzalo Garrido-Lecca Alemí, para ensamble (Estreno absoluto)
Flauta : Aníbal Núñez
Oboe : Carlos Otárola
Clarinete : José Luis Eca
Fagot : Martín Rocha
Percusión I : Mabel García
Percusión II : Néstor Villón
Violín : María Foust
Viola : Cecilia Baltierra
Violonchelo : José Quezada
Contrabajo : Ricardo Otárola
Piano y dirección: Fernando Valcárcel
Jorge Villavicencio Wayra, para orquesta
II
José Sosaya Voces, para sonidos electro-acústicos
José Sosaya Texturas, para orquesta (Estreno absoluto)
1. Campanas
2. Amanecer
3. Nubarrones
4. Aguacero
5. Sierra de mi Perú
6. Primer mestizaje
7. Segundo mestizaje
José Carlos Campos de “Cuadros Fantásticos Andinos”
Fanfarria a los Andes
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Fernando Valcárcel Pollard
Director titular
Compositor, director y pianista nacido en Lima en 1972, actual director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú. Proviene de una familia de ilustres músicos. Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música y los prosiguió en el prestigioso Curtis Institute of Music de Filadelfia graduándose en 1996 como compositor. Realizó estudios de postgrado en composición en la McGill University en Montreal, Canadá. En 2007 obtuvo su Maestría en Dirección de Orquesta en la Texas Christian University en Fort Worth, Estados Unidos. Ha ejercido la docencia en la Escuela Regional Luis Duncker Lavalle de Arequipa (ESMA), en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y en la Escuela de Música de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Participó en seminarios con los maestros Otto Werner-Mueller, David MacKenzie, Germán Gutiérrez, Miguel Harth-Bedoya y Juan Carlos Lomónaco. De 2006 a 2008 fue director de la Junior Youth Orchestra de Fort Worth, Tejas, Estados Unidos.
De junio de 2008 a agosto de 2009 fue director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil del Instituto Nacional de Cultura (actualmente Ministerio de Cultura). Asimismo, de 2009 a 2011 fue director de la Orquesta del Conservatorio Nacional de Música de Lima.
Su debut internacional se produjo en 2009 con la Orquesta Sinfónica de Yucatán, México. Ha dirigido además las principales orquestas peruanas: la Orquesta Sinfónica de Trujillo, la Orquesta Sinfónica de Piura, la Orquesta Sinfónica de Arequipa y la Orquesta “Ciudad de los Reyes”.
Su relación con la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú empezó en 2008, primero como director invitado frecuente, hasta su designación como director en 2011. Su presencia al frente de esta orquesta ha impulsado la ejecución de obras de compositores peruanos contemporáneos, incluyendo varios estrenos mundiales y obras del repertorio del siglo XX.
Entre sus próximos compromisos se incluyen invitaciones de la Orquesta Filarmónica del Ecuador; la Orquesta del Teatro Regional del Maule, Chile; la Orquesta Sinfónica de Guayaquil; y la Orquesta Sinfónica de El Salvador.
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Notas al programa
Aurelio Tello (Cerro de Pasco 1951)
Realizó estudios de pedagogía musical, piano, composición y dirección coral.
Desde 1973 ha dirigido diversos coros y agrupaciones vocales en el Perú. Ha sido director huésped, desde 1986, del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes de México.
Como compositor ha participado en diferentes conciertos y festivales nacionales e internacionales y ha escrito música de cámara, así como obras vocales, corales, para piano, orquesta de cuerdas y sinfónica.
Desde 1982 radica en México donde ha realizado trabajos de investigación para el Centro Nacional de Investigación y el Instituto Nacional de Bellas Artes.
Desde 1989 es director de la Capilla Virreinal de la Nueva España en México.
Su actividad como investigador de la música colonial mexicana le ha valido ser invitado a congresos en América Latina, Estados Unidos y Europa.
Ha obtenido los siguientes premios: Mención Honorífica en el Concurso de obras polifónicas “Ciudad Ibagué” en Colombia (1983); Primer lugar en el concurso de obras corales del B.C.R. del Perú (1987), Premio de Investigación del INBA (1994), Premio de Musicología “CASA DE LAS AMÉRICAS” de 1999, Premio al Desempeño Académico en Investigación del INBA (1999), Primera Mención Honorífica en el Premio “Robert Stevenson” de Musicología (2001) y Premio de Excelencia Académica del INBA (2001). En el 2003 ha sido nombrado Miembro de Honor de la Sociedad Venezolana de Musicología. En el año 2004 ha sido designado miembro del Jurado del Premio “Tomás Luis de Victoria” de la Sociedad General de Autores de España.
Sobre Ichuq Parwanta Nº 3 el compositor señala: “Es la tercera de una serie de obras basadas en un antiguo huayno de indios del Cusco. En ella pretendo explorar la emisión de diversas formas de sonido en dos teclados de naturaleza radicalmente distinta: la marimba y el piano. Las raíces andinas que nutren esta música no hacen sino reflejar una vieja preocupación por desarrollar un lenguaje que manifieste mi origen y mi visión del mundo. Ichuq parwanta es la flor del ichu, una variedad de paja que crece en las zonas más altas de la Cordillera de los Andes, que sirve de alimento al ganado y a los pastores de regiones tan inhóspitas. La compuse en noviembre de 1998, evocando el dulce recuerdo de mi madre muerta.”
Jorge Villavicencio Grossmann (Lima, Perú, 1973)
Compositor y violinista. Habiendo realizado estudios de música en Perú y Brasil, se trasladó a los estados Unidos en 1998. Después de obtener su maestría en composición en la Florida International University de Miami, se diplomó con el grado de "Doctor of Musical Arts" en la Universidad de Boston. Ha estudiado composición con Paulo Maron, Orlando García, Fredrick Kaufman, John Harbison y Lukas Foss.
Su música ha sido ejecutada en salas y festivales de música en los Estados Unidos, Sudamérica y en Europa por músicos y conjuntos de reconocida envergadura tales como la orquesta del Festival de Aspen (Aspen Sinfonia), la Orquesta Nacional de Ucrania, Kiev Camerata, la New England Phlilharmonic, Pierrot Lunaire Ensemble Wien ®, Nouvelle Ensemble Moderne, Alea III, Seattle Chamber Players, miembros del New York New Music Ensemble, instrumentistas de las sinfónicas de Boston y Baltimore, entre otros.
Ha recibido premios tales como la beca de la John Simon Guggenheim Foundation, el premio Charles Ives de la Academia Americana de Artes y Letras, una beca para artistas de la Asociación Vitae de Sao Paulo, Brasil, y otras becas de la Fundación St. Botolph de Boston, Meet the Composer, además de una beca para artistas del Consejo de las Artes del estado de Nevada (Nevada Artist Fellowship). Como ganador del Premio Aaron Copland de 2007, estuvo en residencia en la casa del ilustre compositor, donde se dedicó exclusivamente a terminar su reciente obra orquestal Valdrada. Su pieza orquestal Pasiphaë fue otorgada el premio Jacob Druckman del Festival de Aspen, el premio para composición orquestal de la New England Philharmonic, así como una mención honrosa en el Concurso Internacional Lepo Sumera para composición orquestal de Estonia. Su obra Siray fue finalista en el Concurso Internacional ALEA III de Boston. Ha participado en residencias en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú y el Conservatorio de San Petersburgo. Ha participado como Artista Asociado en el Atlantic Center for the Arts, como Norton Stevens Fellow en la MacDowell Colony y ha sido becario en festivales de música y conferencias para compositores tales como el Festival de Aspen, New Music Miami, June in Buffalo, Wellesley Composers Conference, Mei Festival (Holanda) y Domaine Forget (Canadá). Ha participado como compositor invitado en el Festival Internacional de Música Clásica Contemporánea de Lima, Perú, Festival Internacional de Chihuaha, México, ISCM-Miami, Festival of New Music (Florida State University) así como el compositor en residencia del SLAM, Seattle Latin American Music Festival.
De 2004 a 2010 actuó como profesor de teoría y composición en la Universidad de Nevada-Las Vegas y como codirector de N.E.O.N., Nevada Encounters of New Music. Actualmente es profesor de composición en la Escuela de Música de Ithaca College, en el estado de Nueva York y es director de altavoz, un consorcio de compositores latinoamericanos en los Estados Unidos.
Sobre Wayra nos dice el compositor: “Wayra significa viento, en quechua. Los pueblos de los Andes precolombinos asociaban el termino "wayra" con la destrucción y el genocidio causado por los conquistadores españoles (para ellos, seres sobrenaturales), así como con la oposición del mundo indio versus el mundo blanco, como así lo describe Jorge Icaza en su novela Huairapamushcas. Mi obra es un corto y desasosegado poema sinfónico, el cual exhibe gestos orquestales que, para el oyente, podrían sonar como una representación musical del fenómeno de los vientos. La esencia y la inspiración para esta pieza yace, sin embargo, en el estado de espíritu de aquellas gentes aborígenes al confrontar el abuso, la destrucción y la muerte traídos por la Conquista y los cuales, a pesar de haber sido causados por acciones intrínsecamente humanas, fueron creídos provenientes de indomables fuerzas míticas“.
Gonzalo Garrido-Lecca (Lima, 1975)
Inicia sus estudios musicales en la academia Béla Bartók, donde estudia guitarra clásica con Oscar Zamora y Armonía y Contrapunto con Enrique Iturriaga. Posteriormente ingresa al Conservatorio Nacional de Música de Lima en donde cursa estudios de composición con Enrique Iturriaga, Dante Valdés y José Carlos Campos, además de piano con María Pavlovna y Teresa Quesada. En el año 2001, se traslada a España para continuar sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, institución en la que se gradúa en 2007. Ha complementado su formación asistiendo a numerosas clases magistrales a cargo de compositores diversos entre los que destacan Beat Furrer, Salvatore Sciarrino, Vladislav Uspenski, James Dillon, Jesús Rueda, Roberto Sierra, Kaija Saariaho, Martín Matalón y Phillippe Hurel. Gonzalo Garrido-Lecca es compositor de obras de cámara y música sinfónica.
Ha recibido encargos del Centro Cultural de España de Lima, la Residencia de estudiantes de Madrid, del director de orquesta Miguel Harth-Bedoya, la coreógrafa Patricia Awapara, el Teatro Nacional del Perú, el Brouwer Trío, el Trío Américas, entre otros. Ha escrito música incidental para las obras de teatro Un Juguete, de Manuel Asencio Segura y Los Ruperto, bajo la dirección de Ruth Escudero, y para diversos montajes coreográficos. También ha actuado como pianista acompañante en numerosas ocasiones.
Sus obras han sido interpretadas en diversas ciudades, como Buenos Aires, Chicago, Fort Worth, Louisville, Ames, Houston, Lima, Madrid y Vrasov; y auditorios como el Bass Performance Hall, Martha-Ellen Tye Recital Hall (Iowa State University), Sherwood Conservatory, Olham Country Arts Center, Auditorio del Museo Thyssen-Bornemizza, Auditorio del Museo Reina Sofía de Madrid, Auditorio de La Residencia de Estudiantes de Madrid, Auditorio de la Universidad Ricardo Palma, Auditorio de la Universidad Católica de Lima, Teatro del Museo de La Nación, Auditorios Manuel de Falla y Tomás Luis de Victoria del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Auditorio del Instituto Peruano Norteamericano, Auditorio del Centro Cultural de España de Lima, Teatro Segura, entre otros.
Ha sido profesor de estética musical en La Escuela de Cine de Lima y de armonía y composición en la escuela musical Campus, de piano en La Escuela Municipal de Música de la Orotava en Tenerife y de Fundamentos de Composición, piano y análisis en la escuela de Música A Tempo en Majadahonda, Madrid.
Dentro de las obras de ensamble, podemos mencionar las siguientes: Concierto de cámara No. 1 ‘Delirios’, para diez instrumentistas (2005); Alemí (versión de cámara), para diez instrumentistas; Emblemas, para diez instrumentistas (2007); Caleidoscopio, para seis instrumentos.
Alemí fue compuesta en el año 2006 y está escrita para un conjunto de diez músicos: cuatro instrumentos de cuerda, cuatro de viento, piano y percusión. Está organizada de manera cíclica; tres secciones con características rítmicas y armónicas diferenciadas reaparecen en el mismo orden, siempre sometidas a distintos procesos de transformación. El material de la primera sección evoluciona mostrando variantes tímbricas y armónicas, el de la segunda sección va originando movimientos cada vez más vívidos y danzantes, mientras que el material de la tercera sección aparece en tempi progresivamente menores hasta convertirse en un largo caleidoscopio polifónico estático, de tal forma que el nivel de contraste se incremente a medida que la composición se desenvuelve. La pieza es un estudio de colores armónicos que intenta superar la idea de oposición entre lo tonal y lo atonal.
José Sosaya Wekselman (San Pedro de Lloc 1956)
Estudió composición musical en Lima con Edgar Valcárcel y en Paris con Yoshihisa Taira, Sergio Ortega y Alain Louvier obteniendo en 1986 el Diploma Superior de Composición de la Escuela Normal de Música de Paris, el 1er. Premio de Composición de la Escuela Nacional de Música de Pantin y el Certificado de Análisis musical del Conservatorio Nacional de Región de Boulogne-Billancourt. Siguió en Lima cursos de Dirección Orquestal y de Dirección Coral con Miguel Harth-Bedoya y Werner Pfaff respectivamente.
En 1981 ganó el Primer Concurso de Composición Coral organizado por la Municipalidad de Lima y en 1983 el Concurso para obra de cámara “Patronato Popular y Porvenir Pro - Música Clásica”. Becario del gobierno español para una estancia en el Laboratorio de Informática y Electrónica Musical de Madrid (1994).
Creó y dirigió entre el 2000 y 2004 el Ensamble Vocal Ariodante.
Entre 2003 y 2010 fue Director Académico del Conservatorio Nacional de Música, institución en la cual creó el Laboratorio de Música Electroacústica (1995) y el Taller de Músicas Actuales (2006). Ha representado al Perú en diversos eventos internacionales:
- Primera Junta de Compositores del Pacífico (Sapporo-Japón, 1990)
- Primer Encuentro Andino y Festival de Música Contemporánea (Quito, 1993)
- Simposium Internacional de Música Electroacústica (Bourges - Francia, 1993)
- II, III y IV Seminario Internacional “Músicas actuales-Instrumentos tradicionales” realizados respectivamente en Santiago de Chile (2004), La Paz (2005) y Buenos Aires (2006 y 2008).
Sus obras han sido interpretadas en Lima, Quito, Santiago de Chile, Sao Paulo, México D.F., Paris, Londres, Madrid, Freiburg, Bourges, New York y Sapporo.
Texturas para orquesta fue escrita en Lima entre los años 1990 y 1991. Obra perteneciente a un estilo de escritura característico de la 2da mitad del siglo XX, en un lenguaje cercano a piezas de cámara escritas por Sosaya en el mismo periodo (Intermitencias y Ave! Chavín entre otras).
La idea de partida es presentar en cada sección un tejido o trama sonora característica, usando las posibilidades instrumentales y expresivas de la orquesta sinfónica.
Los nombres de las secciones fueron colocados con posterioridad a la escritura de la obra con el objeto de comunicar mejor al instrumentista y oyente la concepción sonora propia del compositor.
José Carlos Campos (Lima, 1957)
Estudió composición en el Conservatorio Nacional de Música con Edgar Valcárcel, cursos teóricos con Pedro Seiji Asato, instrumentación con Aurelio Tello, orquestación con Celso Garrido Lecca y piano con la concertista Rosa América Silva Wagner. Siguió luego un curso de expansión cultural de la Secretaria de Estado de la Cultura de São Paulo en Brasil, en 1982, para estudiar con Claudio Santoro y José-Antonio Almeida Prado, y participó en el «XIII Festival Internacional de Invierno de Campos do Jordão», estrenando su rapsodia para piano Encuentros (1980).
En 1985 fue becado por el gobierno francés para realizar su postgrado en París. Estudió análisis musical con Alain Louvier (Conservatorio Nacional de Música de Boulogne-Billancourt) y Betsy Jolas (Conservatorio Nacional Superior de Música de París) y composición con Allain Gaussin. En 1987 consiguió una beca de la «Fundación Internacional Nadia et Lili Boulanger» y prosiguió su formación con Michel Philippot, recibiendo los consejos de Maurice Ohana, que le encargó la realización de la reducción a piano de su opera La Célestine para los preparativos de su estreno en junio de 1988 en la Ópera de París. Asimismo, en 1989 siguió una formación de producción y programación musical en Radio France de París.
A su regreso definitivo al Perú en 1990, ejerció la docencia en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y se encargó de la producción musical del programa "France-Musique" en la radio Sol Armonía (hoy Filarmonía). En 1991 participó en la creación curricular de los cursos de Artes para el Ciclo Básico de la Universidad Peruana Cayetano Heredia, en donde fue catedrático de Cultura Musical en el Departamento de Humanidades de la Facultad de Ciencias y Filosofía de dicha universidad. En 1992 fue Asesor Musical de la Oficina de Cultura de la Embajada de España en Lima para la organización de ciclos de conciertos y conferencias. En 1993 participó como ponente en el «Primer Encuentro de Compositores de Los Andes», realizado en Quito, Ecuador. Fue luego nombrado profesor de Composición y Cursos Culturales en el Conservatorio Nacional de Música de Lima, asumiendo en 1996 el cargo de Jefe del Departamento de Composición y Musicología de dicha institución. En 1997 gano el Concurso Internacional de Composición de la Sociedad Filarmónica de Lima con su obra Epifanía, para flauta, viola, piano y percusión.
En 1998 se instala definitivamente en Francia en donde termina su Licenciatura en Música y luego lleva a cabo una Maestría en Musicología en la Universidad de La Sorbona de París. Ha trabajado como profesor de música para la Academia de Versalles y el cuerpo docente de la Municipalidad de París.
Sus obras han sido estrenadas en diferentes festivales y conciertos como en México, Estados Unidos de Norte-América, España, Francia, Argentina, Brasil, Ecuador, Venezuela, República Dominicana, Cuba, Escocia, Italia, Australia y Singapur.
Tiene en su haber una gran cantidad de composiciones y arreglos de diferentes compositores.
La Suite Sinfónica “Cuadros Fantásticos Andinos” (2002), comisionada por la Sociedad Filarmónica de Lima con motivo de su 95 aniversario, fue estrenada el 24 de agosto de dicho año por la Orquesta de la Universidad de Lima, bajo la dirección del maestro mejicano Eduardo García Barrios. Pero la obra fue escrita entre dos continentes: comenzada en Lima en 1998 y concluida en Herblay, Francia, en el 2001. El compositor venia de emigrar a Europa por segunda vez. En los cuatro movimientos que conforma la obra se presentan diversas referencias simbólicas y pictóricas a rasgos profundos de Los Andes. Son una visión muy particular y personal del compositor de todas las sensaciones que capto de las escenas de vida y de los paisajes andinos.
Fanfarria a los Andes es el cuarto y último movimiento de la obra en donde el término "fantástico" se aúna al de "onírico" en toda su atmósfera sonora. El compositor, admirador del pintor Humareda, nos "pinta" una representación fantasmagórica de los "Tocadores de Viento": Pututeros de Puno y Cuzco, Clarineros de Cajamarca, Chirisuyeros y Trompeteros del centro, cuyas resonancias vibran y se repercuten a través de las cordilleras. En este movimiento el compositor puso en dialéctica la síntesis de lo que había cosechado en sus años de formación en Francia y así mismo de la multifonía sonora que heredo en Perú de su profesor de Composición, Edgar Valcárcel. El movimiento está concebido como un elan continuo que rehúsa toda referencia formal tradicional y ha tomado como fuente de elaboración la gama del canto y de la danza de los pájaros de la región andino-amazónica Quero del Cuzco, y de la cual el compositor construye y dilata la complejidad del material melódico-armónico. De espíritu festivo por sus timbres orquestales, y guerrero por sus figuraciones rítmicas, la gran "fanfarria sinfónica" se germina con el motivo simple del Trombón y del canto incisivo del Clarinete piccolo que son progresivamente acompañados de diferentes figuras melódicas que orbitan en las maderas y que dan el ambiente de un canto de la naturaleza nocturna de la Amazonia, mientras que las cuerdas se suman al grupo a la manera de un "gran redoble" de percusión. La fanfarria propiamente dicha, se abre paso con las trompetas, cuya rítmica es resultado de los ritmos previamente esparcidos desde el inicio. Es así que en el devenir del movimiento una fuerza y una angustia se incrementan poco a poco con la superposición de líneas melódicas y por la sucesión de grandes acordes orquestales acentuados por la percusión. Al final, una sonoridad pomposa da la luz al movimiento, es la plenitud armónica de los instrumentos de metal, girando sobre ellos figuraciones pentatónicas que evocan un despertar de la naturaleza diurna. Varios motivos retornan como última citación marcados por grandes desinencias en la gran percusión. Un último impulso termina el movimiento con gran luminosidad.
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
Director: Fernando Valcárcel Pollard
CONCERTINO
María Foust
VIOLINES I
• Manuel Bravo Pacheco
• Héctor D’Angelo Bazán
• Percy Dávila Gómez
• Marco Eca Fiestas
• Miguel Farro Espino
• Jorge Erick Pajares León
• Doris Váscones Muñoz
• José Zamora Morales
• Héctor Cortez Tantaruna
• Roberto Aguirre Rivera (*)
VIOLINES II
• María Elena Pacheco Beleván (capo)
• Paulo César Armas
• Miguel Panta Salazar
• Sonia Ricapa Mosquera
• Dorita Robledo de la Torre
• Nancy Salazar Vásquez
• Mencio Sovero Llacza
• Carlos Vivanco Paredes
VIOLAS
• Cecilia Baltierra Rodríguez (capo)
• Eugenia Cornejo Valdivia
• Luis Conislla Yánez
• Ernesto Jara Salas
• Daniel Sáenz Santos
• Elena Váscones Muñoz
• Roy Váscones Portilla
• Rafael Núñez Reyes
VIOLONCHELOS
• Miguel Reina de la Torre (capo)
• Roberto Aguirre Martínez
• Marco Lucioni Maristany
• José Quezada Márquez
• Sammanda Sigüeñas Rodríguez
• Héctor Valdez Ayarza
• Susana Zavala Vásquez
CONTRABAJOS
• Ricardo Otárola Illescas (capo)
• Dante Bereche Ladines
• Enrique Ormeño Villafuerte
• Juan Carlos Rivera Cárdenas
• Raúl Romero Álvarez
FLAUTAS
• Paloma Chávez Collantes (capo)
• César Espinoza Basurto
• Anibal Núñez Santos
OBOES
• Carlos Otárola Yllescas (capo)
• Mauricio Lucioni Maristany
• Juan Ayala Santillana
CORNO INGLÉS
• Ricardo Martínez Cañas
CLARINETES
• Luis Enrique Vargas Guevara (capo)
• José Luis Eca Fiestas
• Ana Barrera Albengrín
FAGOTES
• Matilde Gonzales Lizárraga (capo)
• Martha Rebata Gómez
• Martín Rocha Prieto
• Fanny León Baltodano
CORNOS
• José Mosquera Zavala (capo)
• Martina Jara Jara
• Guillermo Príncipe Ruiz
• Ascario Mamani Chambi
• Rosina Aznarán Ascencio
TROMPETAS
• Víctor Alvites Ibarra (capo)
• Franco Carranza Cárdenas
• Enrique García Huerto
• José Soriano Castañeda
TROMBONES
• Luis Calixto Cáceres (capo)
• Carlos Quiroz Ramírez
• Jaime Chunga Carhuatocto
• Fernando Flores Pérez
• Juan Vargas Carrillo
TUBA
• Ricardo López Maguiña
TIMBAL
• Bernardo González Cabello (capo)
PERCUSIÓN
• Juan Chávez Alvarado
• Néstor Villón Urbina
• Mabel García Quispe
ARPA
• Clelia Mertens
Encontramos en el programa que nos envía, junto con él, a Gonzalo GarridoLecca, Jorge Villavicencio, José Sosaya y José Carños Campos, nombres muy queridos también entre nosotros.
Brillante idea la de esta programación.
Aquí el mensaje de Aurelio, que trae toda la información.
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Queridos todos:
Los invito a escuchar mi pieza "Ichuq parwanta" n. 3 para marimba y piano.
saludos
tello
Adjunto programa.
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MINISTERIO DE CULTURA
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
TEMPORADA INTERNACIONAL DE OTOÑO 2012
Viernes 01 de junio – 8:00 p.m.
Auditorio Los Incas del Museo de la Nación
Director titular : Fernando Valcárcel
“Las Nuevas Generaciones Peruanas” (después del 50)
Programa
I
Aurelio Tello Ichuq Parwanta No. 3, para marimba y piano
Marimba : Mabel García
Piano : Fernando Valcárcel
Gonzalo Garrido-Lecca Alemí, para ensamble (Estreno absoluto)
Flauta : Aníbal Núñez
Oboe : Carlos Otárola
Clarinete : José Luis Eca
Fagot : Martín Rocha
Percusión I : Mabel García
Percusión II : Néstor Villón
Violín : María Foust
Viola : Cecilia Baltierra
Violonchelo : José Quezada
Contrabajo : Ricardo Otárola
Piano y dirección: Fernando Valcárcel
Jorge Villavicencio Wayra, para orquesta
II
José Sosaya Voces, para sonidos electro-acústicos
José Sosaya Texturas, para orquesta (Estreno absoluto)
1. Campanas
2. Amanecer
3. Nubarrones
4. Aguacero
5. Sierra de mi Perú
6. Primer mestizaje
7. Segundo mestizaje
José Carlos Campos de “Cuadros Fantásticos Andinos”
Fanfarria a los Andes
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Fernando Valcárcel Pollard
Director titular
Compositor, director y pianista nacido en Lima en 1972, actual director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú. Proviene de una familia de ilustres músicos. Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música y los prosiguió en el prestigioso Curtis Institute of Music de Filadelfia graduándose en 1996 como compositor. Realizó estudios de postgrado en composición en la McGill University en Montreal, Canadá. En 2007 obtuvo su Maestría en Dirección de Orquesta en la Texas Christian University en Fort Worth, Estados Unidos. Ha ejercido la docencia en la Escuela Regional Luis Duncker Lavalle de Arequipa (ESMA), en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y en la Escuela de Música de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Participó en seminarios con los maestros Otto Werner-Mueller, David MacKenzie, Germán Gutiérrez, Miguel Harth-Bedoya y Juan Carlos Lomónaco. De 2006 a 2008 fue director de la Junior Youth Orchestra de Fort Worth, Tejas, Estados Unidos.
De junio de 2008 a agosto de 2009 fue director titular de la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil del Instituto Nacional de Cultura (actualmente Ministerio de Cultura). Asimismo, de 2009 a 2011 fue director de la Orquesta del Conservatorio Nacional de Música de Lima.
Su debut internacional se produjo en 2009 con la Orquesta Sinfónica de Yucatán, México. Ha dirigido además las principales orquestas peruanas: la Orquesta Sinfónica de Trujillo, la Orquesta Sinfónica de Piura, la Orquesta Sinfónica de Arequipa y la Orquesta “Ciudad de los Reyes”.
Su relación con la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú empezó en 2008, primero como director invitado frecuente, hasta su designación como director en 2011. Su presencia al frente de esta orquesta ha impulsado la ejecución de obras de compositores peruanos contemporáneos, incluyendo varios estrenos mundiales y obras del repertorio del siglo XX.
Entre sus próximos compromisos se incluyen invitaciones de la Orquesta Filarmónica del Ecuador; la Orquesta del Teatro Regional del Maule, Chile; la Orquesta Sinfónica de Guayaquil; y la Orquesta Sinfónica de El Salvador.
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Notas al programa
Aurelio Tello (Cerro de Pasco 1951)
Realizó estudios de pedagogía musical, piano, composición y dirección coral.
Desde 1973 ha dirigido diversos coros y agrupaciones vocales en el Perú. Ha sido director huésped, desde 1986, del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes de México.
Como compositor ha participado en diferentes conciertos y festivales nacionales e internacionales y ha escrito música de cámara, así como obras vocales, corales, para piano, orquesta de cuerdas y sinfónica.
Desde 1982 radica en México donde ha realizado trabajos de investigación para el Centro Nacional de Investigación y el Instituto Nacional de Bellas Artes.
Desde 1989 es director de la Capilla Virreinal de la Nueva España en México.
Su actividad como investigador de la música colonial mexicana le ha valido ser invitado a congresos en América Latina, Estados Unidos y Europa.
Ha obtenido los siguientes premios: Mención Honorífica en el Concurso de obras polifónicas “Ciudad Ibagué” en Colombia (1983); Primer lugar en el concurso de obras corales del B.C.R. del Perú (1987), Premio de Investigación del INBA (1994), Premio de Musicología “CASA DE LAS AMÉRICAS” de 1999, Premio al Desempeño Académico en Investigación del INBA (1999), Primera Mención Honorífica en el Premio “Robert Stevenson” de Musicología (2001) y Premio de Excelencia Académica del INBA (2001). En el 2003 ha sido nombrado Miembro de Honor de la Sociedad Venezolana de Musicología. En el año 2004 ha sido designado miembro del Jurado del Premio “Tomás Luis de Victoria” de la Sociedad General de Autores de España.
Sobre Ichuq Parwanta Nº 3 el compositor señala: “Es la tercera de una serie de obras basadas en un antiguo huayno de indios del Cusco. En ella pretendo explorar la emisión de diversas formas de sonido en dos teclados de naturaleza radicalmente distinta: la marimba y el piano. Las raíces andinas que nutren esta música no hacen sino reflejar una vieja preocupación por desarrollar un lenguaje que manifieste mi origen y mi visión del mundo. Ichuq parwanta es la flor del ichu, una variedad de paja que crece en las zonas más altas de la Cordillera de los Andes, que sirve de alimento al ganado y a los pastores de regiones tan inhóspitas. La compuse en noviembre de 1998, evocando el dulce recuerdo de mi madre muerta.”
Jorge Villavicencio Grossmann (Lima, Perú, 1973)
Compositor y violinista. Habiendo realizado estudios de música en Perú y Brasil, se trasladó a los estados Unidos en 1998. Después de obtener su maestría en composición en la Florida International University de Miami, se diplomó con el grado de "Doctor of Musical Arts" en la Universidad de Boston. Ha estudiado composición con Paulo Maron, Orlando García, Fredrick Kaufman, John Harbison y Lukas Foss.
Su música ha sido ejecutada en salas y festivales de música en los Estados Unidos, Sudamérica y en Europa por músicos y conjuntos de reconocida envergadura tales como la orquesta del Festival de Aspen (Aspen Sinfonia), la Orquesta Nacional de Ucrania, Kiev Camerata, la New England Phlilharmonic, Pierrot Lunaire Ensemble Wien ®, Nouvelle Ensemble Moderne, Alea III, Seattle Chamber Players, miembros del New York New Music Ensemble, instrumentistas de las sinfónicas de Boston y Baltimore, entre otros.
Ha recibido premios tales como la beca de la John Simon Guggenheim Foundation, el premio Charles Ives de la Academia Americana de Artes y Letras, una beca para artistas de la Asociación Vitae de Sao Paulo, Brasil, y otras becas de la Fundación St. Botolph de Boston, Meet the Composer, además de una beca para artistas del Consejo de las Artes del estado de Nevada (Nevada Artist Fellowship). Como ganador del Premio Aaron Copland de 2007, estuvo en residencia en la casa del ilustre compositor, donde se dedicó exclusivamente a terminar su reciente obra orquestal Valdrada. Su pieza orquestal Pasiphaë fue otorgada el premio Jacob Druckman del Festival de Aspen, el premio para composición orquestal de la New England Philharmonic, así como una mención honrosa en el Concurso Internacional Lepo Sumera para composición orquestal de Estonia. Su obra Siray fue finalista en el Concurso Internacional ALEA III de Boston. Ha participado en residencias en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú y el Conservatorio de San Petersburgo. Ha participado como Artista Asociado en el Atlantic Center for the Arts, como Norton Stevens Fellow en la MacDowell Colony y ha sido becario en festivales de música y conferencias para compositores tales como el Festival de Aspen, New Music Miami, June in Buffalo, Wellesley Composers Conference, Mei Festival (Holanda) y Domaine Forget (Canadá). Ha participado como compositor invitado en el Festival Internacional de Música Clásica Contemporánea de Lima, Perú, Festival Internacional de Chihuaha, México, ISCM-Miami, Festival of New Music (Florida State University) así como el compositor en residencia del SLAM, Seattle Latin American Music Festival.
De 2004 a 2010 actuó como profesor de teoría y composición en la Universidad de Nevada-Las Vegas y como codirector de N.E.O.N., Nevada Encounters of New Music. Actualmente es profesor de composición en la Escuela de Música de Ithaca College, en el estado de Nueva York y es director de altavoz, un consorcio de compositores latinoamericanos en los Estados Unidos.
Sobre Wayra nos dice el compositor: “Wayra significa viento, en quechua. Los pueblos de los Andes precolombinos asociaban el termino "wayra" con la destrucción y el genocidio causado por los conquistadores españoles (para ellos, seres sobrenaturales), así como con la oposición del mundo indio versus el mundo blanco, como así lo describe Jorge Icaza en su novela Huairapamushcas. Mi obra es un corto y desasosegado poema sinfónico, el cual exhibe gestos orquestales que, para el oyente, podrían sonar como una representación musical del fenómeno de los vientos. La esencia y la inspiración para esta pieza yace, sin embargo, en el estado de espíritu de aquellas gentes aborígenes al confrontar el abuso, la destrucción y la muerte traídos por la Conquista y los cuales, a pesar de haber sido causados por acciones intrínsecamente humanas, fueron creídos provenientes de indomables fuerzas míticas“.
Gonzalo Garrido-Lecca (Lima, 1975)
Inicia sus estudios musicales en la academia Béla Bartók, donde estudia guitarra clásica con Oscar Zamora y Armonía y Contrapunto con Enrique Iturriaga. Posteriormente ingresa al Conservatorio Nacional de Música de Lima en donde cursa estudios de composición con Enrique Iturriaga, Dante Valdés y José Carlos Campos, además de piano con María Pavlovna y Teresa Quesada. En el año 2001, se traslada a España para continuar sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, institución en la que se gradúa en 2007. Ha complementado su formación asistiendo a numerosas clases magistrales a cargo de compositores diversos entre los que destacan Beat Furrer, Salvatore Sciarrino, Vladislav Uspenski, James Dillon, Jesús Rueda, Roberto Sierra, Kaija Saariaho, Martín Matalón y Phillippe Hurel. Gonzalo Garrido-Lecca es compositor de obras de cámara y música sinfónica.
Ha recibido encargos del Centro Cultural de España de Lima, la Residencia de estudiantes de Madrid, del director de orquesta Miguel Harth-Bedoya, la coreógrafa Patricia Awapara, el Teatro Nacional del Perú, el Brouwer Trío, el Trío Américas, entre otros. Ha escrito música incidental para las obras de teatro Un Juguete, de Manuel Asencio Segura y Los Ruperto, bajo la dirección de Ruth Escudero, y para diversos montajes coreográficos. También ha actuado como pianista acompañante en numerosas ocasiones.
Sus obras han sido interpretadas en diversas ciudades, como Buenos Aires, Chicago, Fort Worth, Louisville, Ames, Houston, Lima, Madrid y Vrasov; y auditorios como el Bass Performance Hall, Martha-Ellen Tye Recital Hall (Iowa State University), Sherwood Conservatory, Olham Country Arts Center, Auditorio del Museo Thyssen-Bornemizza, Auditorio del Museo Reina Sofía de Madrid, Auditorio de La Residencia de Estudiantes de Madrid, Auditorio de la Universidad Ricardo Palma, Auditorio de la Universidad Católica de Lima, Teatro del Museo de La Nación, Auditorios Manuel de Falla y Tomás Luis de Victoria del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Auditorio del Instituto Peruano Norteamericano, Auditorio del Centro Cultural de España de Lima, Teatro Segura, entre otros.
Ha sido profesor de estética musical en La Escuela de Cine de Lima y de armonía y composición en la escuela musical Campus, de piano en La Escuela Municipal de Música de la Orotava en Tenerife y de Fundamentos de Composición, piano y análisis en la escuela de Música A Tempo en Majadahonda, Madrid.
Dentro de las obras de ensamble, podemos mencionar las siguientes: Concierto de cámara No. 1 ‘Delirios’, para diez instrumentistas (2005); Alemí (versión de cámara), para diez instrumentistas; Emblemas, para diez instrumentistas (2007); Caleidoscopio, para seis instrumentos.
Alemí fue compuesta en el año 2006 y está escrita para un conjunto de diez músicos: cuatro instrumentos de cuerda, cuatro de viento, piano y percusión. Está organizada de manera cíclica; tres secciones con características rítmicas y armónicas diferenciadas reaparecen en el mismo orden, siempre sometidas a distintos procesos de transformación. El material de la primera sección evoluciona mostrando variantes tímbricas y armónicas, el de la segunda sección va originando movimientos cada vez más vívidos y danzantes, mientras que el material de la tercera sección aparece en tempi progresivamente menores hasta convertirse en un largo caleidoscopio polifónico estático, de tal forma que el nivel de contraste se incremente a medida que la composición se desenvuelve. La pieza es un estudio de colores armónicos que intenta superar la idea de oposición entre lo tonal y lo atonal.
José Sosaya Wekselman (San Pedro de Lloc 1956)
Estudió composición musical en Lima con Edgar Valcárcel y en Paris con Yoshihisa Taira, Sergio Ortega y Alain Louvier obteniendo en 1986 el Diploma Superior de Composición de la Escuela Normal de Música de Paris, el 1er. Premio de Composición de la Escuela Nacional de Música de Pantin y el Certificado de Análisis musical del Conservatorio Nacional de Región de Boulogne-Billancourt. Siguió en Lima cursos de Dirección Orquestal y de Dirección Coral con Miguel Harth-Bedoya y Werner Pfaff respectivamente.
En 1981 ganó el Primer Concurso de Composición Coral organizado por la Municipalidad de Lima y en 1983 el Concurso para obra de cámara “Patronato Popular y Porvenir Pro - Música Clásica”. Becario del gobierno español para una estancia en el Laboratorio de Informática y Electrónica Musical de Madrid (1994).
Creó y dirigió entre el 2000 y 2004 el Ensamble Vocal Ariodante.
Entre 2003 y 2010 fue Director Académico del Conservatorio Nacional de Música, institución en la cual creó el Laboratorio de Música Electroacústica (1995) y el Taller de Músicas Actuales (2006). Ha representado al Perú en diversos eventos internacionales:
- Primera Junta de Compositores del Pacífico (Sapporo-Japón, 1990)
- Primer Encuentro Andino y Festival de Música Contemporánea (Quito, 1993)
- Simposium Internacional de Música Electroacústica (Bourges - Francia, 1993)
- II, III y IV Seminario Internacional “Músicas actuales-Instrumentos tradicionales” realizados respectivamente en Santiago de Chile (2004), La Paz (2005) y Buenos Aires (2006 y 2008).
Sus obras han sido interpretadas en Lima, Quito, Santiago de Chile, Sao Paulo, México D.F., Paris, Londres, Madrid, Freiburg, Bourges, New York y Sapporo.
Texturas para orquesta fue escrita en Lima entre los años 1990 y 1991. Obra perteneciente a un estilo de escritura característico de la 2da mitad del siglo XX, en un lenguaje cercano a piezas de cámara escritas por Sosaya en el mismo periodo (Intermitencias y Ave! Chavín entre otras).
La idea de partida es presentar en cada sección un tejido o trama sonora característica, usando las posibilidades instrumentales y expresivas de la orquesta sinfónica.
Los nombres de las secciones fueron colocados con posterioridad a la escritura de la obra con el objeto de comunicar mejor al instrumentista y oyente la concepción sonora propia del compositor.
José Carlos Campos (Lima, 1957)
Estudió composición en el Conservatorio Nacional de Música con Edgar Valcárcel, cursos teóricos con Pedro Seiji Asato, instrumentación con Aurelio Tello, orquestación con Celso Garrido Lecca y piano con la concertista Rosa América Silva Wagner. Siguió luego un curso de expansión cultural de la Secretaria de Estado de la Cultura de São Paulo en Brasil, en 1982, para estudiar con Claudio Santoro y José-Antonio Almeida Prado, y participó en el «XIII Festival Internacional de Invierno de Campos do Jordão», estrenando su rapsodia para piano Encuentros (1980).
En 1985 fue becado por el gobierno francés para realizar su postgrado en París. Estudió análisis musical con Alain Louvier (Conservatorio Nacional de Música de Boulogne-Billancourt) y Betsy Jolas (Conservatorio Nacional Superior de Música de París) y composición con Allain Gaussin. En 1987 consiguió una beca de la «Fundación Internacional Nadia et Lili Boulanger» y prosiguió su formación con Michel Philippot, recibiendo los consejos de Maurice Ohana, que le encargó la realización de la reducción a piano de su opera La Célestine para los preparativos de su estreno en junio de 1988 en la Ópera de París. Asimismo, en 1989 siguió una formación de producción y programación musical en Radio France de París.
A su regreso definitivo al Perú en 1990, ejerció la docencia en el Conservatorio Nacional de Música de Lima y se encargó de la producción musical del programa "France-Musique" en la radio Sol Armonía (hoy Filarmonía). En 1991 participó en la creación curricular de los cursos de Artes para el Ciclo Básico de la Universidad Peruana Cayetano Heredia, en donde fue catedrático de Cultura Musical en el Departamento de Humanidades de la Facultad de Ciencias y Filosofía de dicha universidad. En 1992 fue Asesor Musical de la Oficina de Cultura de la Embajada de España en Lima para la organización de ciclos de conciertos y conferencias. En 1993 participó como ponente en el «Primer Encuentro de Compositores de Los Andes», realizado en Quito, Ecuador. Fue luego nombrado profesor de Composición y Cursos Culturales en el Conservatorio Nacional de Música de Lima, asumiendo en 1996 el cargo de Jefe del Departamento de Composición y Musicología de dicha institución. En 1997 gano el Concurso Internacional de Composición de la Sociedad Filarmónica de Lima con su obra Epifanía, para flauta, viola, piano y percusión.
En 1998 se instala definitivamente en Francia en donde termina su Licenciatura en Música y luego lleva a cabo una Maestría en Musicología en la Universidad de La Sorbona de París. Ha trabajado como profesor de música para la Academia de Versalles y el cuerpo docente de la Municipalidad de París.
Sus obras han sido estrenadas en diferentes festivales y conciertos como en México, Estados Unidos de Norte-América, España, Francia, Argentina, Brasil, Ecuador, Venezuela, República Dominicana, Cuba, Escocia, Italia, Australia y Singapur.
Tiene en su haber una gran cantidad de composiciones y arreglos de diferentes compositores.
La Suite Sinfónica “Cuadros Fantásticos Andinos” (2002), comisionada por la Sociedad Filarmónica de Lima con motivo de su 95 aniversario, fue estrenada el 24 de agosto de dicho año por la Orquesta de la Universidad de Lima, bajo la dirección del maestro mejicano Eduardo García Barrios. Pero la obra fue escrita entre dos continentes: comenzada en Lima en 1998 y concluida en Herblay, Francia, en el 2001. El compositor venia de emigrar a Europa por segunda vez. En los cuatro movimientos que conforma la obra se presentan diversas referencias simbólicas y pictóricas a rasgos profundos de Los Andes. Son una visión muy particular y personal del compositor de todas las sensaciones que capto de las escenas de vida y de los paisajes andinos.
Fanfarria a los Andes es el cuarto y último movimiento de la obra en donde el término "fantástico" se aúna al de "onírico" en toda su atmósfera sonora. El compositor, admirador del pintor Humareda, nos "pinta" una representación fantasmagórica de los "Tocadores de Viento": Pututeros de Puno y Cuzco, Clarineros de Cajamarca, Chirisuyeros y Trompeteros del centro, cuyas resonancias vibran y se repercuten a través de las cordilleras. En este movimiento el compositor puso en dialéctica la síntesis de lo que había cosechado en sus años de formación en Francia y así mismo de la multifonía sonora que heredo en Perú de su profesor de Composición, Edgar Valcárcel. El movimiento está concebido como un elan continuo que rehúsa toda referencia formal tradicional y ha tomado como fuente de elaboración la gama del canto y de la danza de los pájaros de la región andino-amazónica Quero del Cuzco, y de la cual el compositor construye y dilata la complejidad del material melódico-armónico. De espíritu festivo por sus timbres orquestales, y guerrero por sus figuraciones rítmicas, la gran "fanfarria sinfónica" se germina con el motivo simple del Trombón y del canto incisivo del Clarinete piccolo que son progresivamente acompañados de diferentes figuras melódicas que orbitan en las maderas y que dan el ambiente de un canto de la naturaleza nocturna de la Amazonia, mientras que las cuerdas se suman al grupo a la manera de un "gran redoble" de percusión. La fanfarria propiamente dicha, se abre paso con las trompetas, cuya rítmica es resultado de los ritmos previamente esparcidos desde el inicio. Es así que en el devenir del movimiento una fuerza y una angustia se incrementan poco a poco con la superposición de líneas melódicas y por la sucesión de grandes acordes orquestales acentuados por la percusión. Al final, una sonoridad pomposa da la luz al movimiento, es la plenitud armónica de los instrumentos de metal, girando sobre ellos figuraciones pentatónicas que evocan un despertar de la naturaleza diurna. Varios motivos retornan como última citación marcados por grandes desinencias en la gran percusión. Un último impulso termina el movimiento con gran luminosidad.
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
Director: Fernando Valcárcel Pollard
CONCERTINO
María Foust
VIOLINES I
• Manuel Bravo Pacheco
• Héctor D’Angelo Bazán
• Percy Dávila Gómez
• Marco Eca Fiestas
• Miguel Farro Espino
• Jorge Erick Pajares León
• Doris Váscones Muñoz
• José Zamora Morales
• Héctor Cortez Tantaruna
• Roberto Aguirre Rivera (*)
VIOLINES II
• María Elena Pacheco Beleván (capo)
• Paulo César Armas
• Miguel Panta Salazar
• Sonia Ricapa Mosquera
• Dorita Robledo de la Torre
• Nancy Salazar Vásquez
• Mencio Sovero Llacza
• Carlos Vivanco Paredes
VIOLAS
• Cecilia Baltierra Rodríguez (capo)
• Eugenia Cornejo Valdivia
• Luis Conislla Yánez
• Ernesto Jara Salas
• Daniel Sáenz Santos
• Elena Váscones Muñoz
• Roy Váscones Portilla
• Rafael Núñez Reyes
VIOLONCHELOS
• Miguel Reina de la Torre (capo)
• Roberto Aguirre Martínez
• Marco Lucioni Maristany
• José Quezada Márquez
• Sammanda Sigüeñas Rodríguez
• Héctor Valdez Ayarza
• Susana Zavala Vásquez
CONTRABAJOS
• Ricardo Otárola Illescas (capo)
• Dante Bereche Ladines
• Enrique Ormeño Villafuerte
• Juan Carlos Rivera Cárdenas
• Raúl Romero Álvarez
FLAUTAS
• Paloma Chávez Collantes (capo)
• César Espinoza Basurto
• Anibal Núñez Santos
OBOES
• Carlos Otárola Yllescas (capo)
• Mauricio Lucioni Maristany
• Juan Ayala Santillana
CORNO INGLÉS
• Ricardo Martínez Cañas
CLARINETES
• Luis Enrique Vargas Guevara (capo)
• José Luis Eca Fiestas
• Ana Barrera Albengrín
FAGOTES
• Matilde Gonzales Lizárraga (capo)
• Martha Rebata Gómez
• Martín Rocha Prieto
• Fanny León Baltodano
CORNOS
• José Mosquera Zavala (capo)
• Martina Jara Jara
• Guillermo Príncipe Ruiz
• Ascario Mamani Chambi
• Rosina Aznarán Ascencio
TROMPETAS
• Víctor Alvites Ibarra (capo)
• Franco Carranza Cárdenas
• Enrique García Huerto
• José Soriano Castañeda
TROMBONES
• Luis Calixto Cáceres (capo)
• Carlos Quiroz Ramírez
• Jaime Chunga Carhuatocto
• Fernando Flores Pérez
• Juan Vargas Carrillo
TUBA
• Ricardo López Maguiña
TIMBAL
• Bernardo González Cabello (capo)
PERCUSIÓN
• Juan Chávez Alvarado
• Néstor Villón Urbina
• Mabel García Quispe
ARPA
• Clelia Mertens
lunes, 28 de mayo de 2012
Recital de Música Antigua “Concierto de Clavecín: instrumento solista y en música de cámara”
Recital de Música Antigua
“Concierto de Clavecín: instrumento solista y en música de cámara”
El Conservatorio Nacional de Música tiene el agrado de presentar el “Concierto de Clavecín: instrumento solista y en música de cámara”, a cargo de los alumnos del curso del mismo nombre, dirigidos por la maestra Ana Savaraín Bustillo, Profesora Honoraria del Conservatorio. El concierto se realizará el miércoles 30 de mayo a las 7:30 p.m. en el auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770, Miraflores), siendo el ingreso libre para el público general.
Será una fantástica oportunidad para apreciar un tipo de música poco difundida, entre distintas las que desarrolla el Conservatorio, así como de apreciar este fascinante instrumento y oír -además del repertorio tradicional- obras de compositores peruanos del siglo XVII.
El programa incluye obras de Bird, Scarlatti, J.S. Bach, Haydn y Victor Kalabis, así como del Archivo de la Catedral de Lima y del "Códice de Trujillo" del Siglo XVIII. Cierra el programa el 5to. Concierto Brandeburgués de Johann Sebastian Bach.
Sobre el Clavecín
El clavecín es un instrumento de teclado a cuerdas rasgadas, a diferencia del piano, cuyo mecanismo es a base de cuerdas percutidas. Debido a las características básicas de su construcción, requiere una técnica de ejecución especial, unida a elementos específicos para una apropiada interpretación de la música de las diferentes escuelas, especialmente de los siglos XVI al XVIII. No debemos confundir el clavicordio con el clavecín; son en principio dos instrumentos diferentes, debido al medio como se obtiene el sonido. Uno rasga la cuerda, el otro la golpea o percute. El clavecín llega a su máximo apogeo en el siglo XVIII, mientras que el clavicordio se va perfeccionando hasta llegar al piano moderno en el siglo XIX.
Imagen y Comunicaciones
Conservatorio Nacional de Música
“Concierto de Clavecín: instrumento solista y en música de cámara”
El Conservatorio Nacional de Música tiene el agrado de presentar el “Concierto de Clavecín: instrumento solista y en música de cámara”, a cargo de los alumnos del curso del mismo nombre, dirigidos por la maestra Ana Savaraín Bustillo, Profesora Honoraria del Conservatorio. El concierto se realizará el miércoles 30 de mayo a las 7:30 p.m. en el auditorio del Centro Cultural Ricardo Palma (Av. Larco 770, Miraflores), siendo el ingreso libre para el público general.
Será una fantástica oportunidad para apreciar un tipo de música poco difundida, entre distintas las que desarrolla el Conservatorio, así como de apreciar este fascinante instrumento y oír -además del repertorio tradicional- obras de compositores peruanos del siglo XVII.
El programa incluye obras de Bird, Scarlatti, J.S. Bach, Haydn y Victor Kalabis, así como del Archivo de la Catedral de Lima y del "Códice de Trujillo" del Siglo XVIII. Cierra el programa el 5to. Concierto Brandeburgués de Johann Sebastian Bach.
Sobre el Clavecín
El clavecín es un instrumento de teclado a cuerdas rasgadas, a diferencia del piano, cuyo mecanismo es a base de cuerdas percutidas. Debido a las características básicas de su construcción, requiere una técnica de ejecución especial, unida a elementos específicos para una apropiada interpretación de la música de las diferentes escuelas, especialmente de los siglos XVI al XVIII. No debemos confundir el clavicordio con el clavecín; son en principio dos instrumentos diferentes, debido al medio como se obtiene el sonido. Uno rasga la cuerda, el otro la golpea o percute. El clavecín llega a su máximo apogeo en el siglo XVIII, mientras que el clavicordio se va perfeccionando hasta llegar al piano moderno en el siglo XIX.
Imagen y Comunicaciones
Conservatorio Nacional de Música
Lila Arroyo Torres y la Orquesta Filarmónica Infantil del Perú en homenaje
Lila Arroyo Torres, Directora de la Orquesta Filarmónica Infantil del Perú participó del evento.
http://abejita.lacoctelera.net/post/2012/05/27/hermoso-homenaje-jos-watanabe-palacio-municipal-san
POETAS DE SAN MIGUEL RINDIERON HOMENAJE A JOSÉ WATANABE
Hermana Teresa Watanabe participó enjornada literaria
La Municipalidad de SanMiguel rindióun emotivo homenaje a José Watanabe que fue encabezado por el Alcaldede San Miguel, Salvador Heresi,la escritora y poeta Lily Cuadra, la escritora Maríadel Rosario Domecq y el poeta Manuel López Rodríguez, además de laparticipación de ilustres vecinos del distrito que se hicieron presentes en elhomenaje.
La mesa redonda fue conformada por Santiago Risso, poeta sanmiguelinoquienhizo una remembranza de entrevista al poeta “José Watanabe, mi vecino y amigo”.Actoseguido, el periodista Benjamín Blass Rivarola, disertócon mucha emoción sobre “José Watanabe y la literatura infantil”, leyendoalgunos fragmentos de sus cuentos como“Lavandería de Fantasmas” publicado el2010. “Para quienes hemos leído a José Watanabe podemos afirmar que él era unamante del lenguaje, con palabras precisas y sin estridencias, que siempreproduce al leerlo, una experiencia placentera en todo el sentido de lapalabra”, acotó.
Posteriormente,Premio Copé 1998 y fundador de la Asociación por elDesarrollo de la Lectura, Óscar Limache,diocátedra con “Una lectura desde SanMiguel de la poesía de Watanabe”; describiéndolo como un extraordinarioreferente literario.“Fineza, Sensibilidad, Sutileza e Ingenio”soloson algunossustantivos para describir sus obras” y agregó “La calidad literaria de JoséWatanabe, me permite afirmar sin duda alguna que lo haceel referente literariode la segunda mitad del siglo XX”, afirmó el poeta sanmiguelino.
Cabe señalar, que el año 2010 la comuna otorgó, mediante Acuerdo deConsejo N° 036-2010, la Medalla Cívica de la Ciudad de San Miguel en GradoPóstumo, por su bellísima obra literaria que llena de orgullo a la patria. A suturno, el Alcalde Salvador Heresi expresó su admiración por la manera en quelos poetas sanmiguelinos recuerdan y reconocen a Watanabe, sobre todo por lasencillez que lo caracterizaba y manifestó su compromiso con los jóvenes:“Estamos comprometidos de seguir abriendo más espacios para el arte y lacultura, para brindar a nuestros niños y jóvenes el ejemplo que ilustresvecinos de San Miguel -como José Watanabe- han dejado con su arte para el Perúy el Mundo”.
Finalmente,la noche cerró con broche de oro con la participación de la OrquestaFilarmónica Infantil del Perú, dirigida por la maestra Lila Arroyo Torres,quienes interpretaron temas variados como “Memory”, “Sakura” y “Chabuca limeña”,entre los principales que fueron el deleite de los asistentes.El Homenaje a José Watanabe conformó parte de las celebraciones del 92° Aniversario quecontinúan en el distrito.
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http://www.munisanmiguel.gob.pe/contenido.php?tip=N&cod=282&pla=T
El 23 de mayo tuvimos una noche maravillosa con el homenaje al extraordinario poeta sanmiguelino José Watanabe, realizado en el Palacio Municipal de San Miguel, con la participación del alcalde Salvador Heresi, los poetas del distrito y la Orquesta Sinfónica Infantil y Preinfantil, que dirige Lila Arroyo.
Alcalde Salvador Heresi, sigue cumpliendo con su distrito, la cultura ocupa un lugar primordial en San Miguel. La mesa redonda de homenaje liderada por Salvador Heresi, alcalde de San Miguel, comuna que el año 2010 le otorgara al poeta José Watanabe, mediante Acuerdo de Consejo No. 036-2010, la Medalla Cívica de la Ciudad de San Miguel en Grado Póstumo, “por su bellísima obra literaria que llena de orgullo a la patria”.
Santiago Risso, poeta sanmiguelino y coordinador del programa “San Miguel, Municipio Lector”,preparó la “Remembranza de entrevista al poeta José Watanabe, mi vecino y amigo”
María del Rosario Domecq, escritora peruana, quien labora en ONU, Participó en la lectura, es sanmiguelina. Desde 1981 radica en New York. Está de tránsito por unos días, lo que afortunadamente permitió estar en el homenaje a Watanabe..
Benjamín Blass Rivarola, periodista y colaborador de la Biblioteca Nacional del Perú, disertó sobre “José Watanabe y la literatura infantil..
El poeta sanmiguelino y Premio Copé 1998 Óscar Limache presentó: “Una lectura desde San Miguel a la poesía de Watanabe”;
Lily Cuadra, poeta, narradora, cuenta cuentos, escritora de temas infantiles y juveniles. Interpretó dos poemas de Watanabe.
La noche cerró con broche de oro con la participación de la Orquesta Filarmónica Infantil del Perú, compuesta por 50 niños y dirigida por la maestra Lila Arroyo Torres, quienes interpretaron temas variados como “Los Picapiedras”, “Memory”, “Sakura” y “Chabuca limeña”.
Cabe añadir, que esta actividad se enmarca dentro del VI Festival Internacional “Palabra en el Mundo”, que se realiza este mes de mayo en más de 2,000 ciudades de todo el orbe, y cuyo lema, tan necesario e imprescindible en estos días y siempre, es “Démosle una oportunidad a la paz”.
http://abejita.lacoctelera.net/post/2012/05/27/hermoso-homenaje-jos-watanabe-palacio-municipal-san
POETAS DE SAN MIGUEL RINDIERON HOMENAJE A JOSÉ WATANABE
Hermana Teresa Watanabe participó enjornada literaria
La Municipalidad de SanMiguel rindióun emotivo homenaje a José Watanabe que fue encabezado por el Alcaldede San Miguel, Salvador Heresi,la escritora y poeta Lily Cuadra, la escritora Maríadel Rosario Domecq y el poeta Manuel López Rodríguez, además de laparticipación de ilustres vecinos del distrito que se hicieron presentes en elhomenaje.
La mesa redonda fue conformada por Santiago Risso, poeta sanmiguelinoquienhizo una remembranza de entrevista al poeta “José Watanabe, mi vecino y amigo”.Actoseguido, el periodista Benjamín Blass Rivarola, disertócon mucha emoción sobre “José Watanabe y la literatura infantil”, leyendoalgunos fragmentos de sus cuentos como“Lavandería de Fantasmas” publicado el2010. “Para quienes hemos leído a José Watanabe podemos afirmar que él era unamante del lenguaje, con palabras precisas y sin estridencias, que siempreproduce al leerlo, una experiencia placentera en todo el sentido de lapalabra”, acotó.
Posteriormente,Premio Copé 1998 y fundador de la Asociación por elDesarrollo de la Lectura, Óscar Limache,diocátedra con “Una lectura desde SanMiguel de la poesía de Watanabe”; describiéndolo como un extraordinarioreferente literario.“Fineza, Sensibilidad, Sutileza e Ingenio”soloson algunossustantivos para describir sus obras” y agregó “La calidad literaria de JoséWatanabe, me permite afirmar sin duda alguna que lo haceel referente literariode la segunda mitad del siglo XX”, afirmó el poeta sanmiguelino.
Cabe señalar, que el año 2010 la comuna otorgó, mediante Acuerdo deConsejo N° 036-2010, la Medalla Cívica de la Ciudad de San Miguel en GradoPóstumo, por su bellísima obra literaria que llena de orgullo a la patria. A suturno, el Alcalde Salvador Heresi expresó su admiración por la manera en quelos poetas sanmiguelinos recuerdan y reconocen a Watanabe, sobre todo por lasencillez que lo caracterizaba y manifestó su compromiso con los jóvenes:“Estamos comprometidos de seguir abriendo más espacios para el arte y lacultura, para brindar a nuestros niños y jóvenes el ejemplo que ilustresvecinos de San Miguel -como José Watanabe- han dejado con su arte para el Perúy el Mundo”.
Finalmente,la noche cerró con broche de oro con la participación de la OrquestaFilarmónica Infantil del Perú, dirigida por la maestra Lila Arroyo Torres,quienes interpretaron temas variados como “Memory”, “Sakura” y “Chabuca limeña”,entre los principales que fueron el deleite de los asistentes.El Homenaje a José Watanabe conformó parte de las celebraciones del 92° Aniversario quecontinúan en el distrito.
http://www.munisanmiguel.gob.pe/contenido.php?tip=N&cod=282&pla=T
El 23 de mayo tuvimos una noche maravillosa con el homenaje al extraordinario poeta sanmiguelino José Watanabe, realizado en el Palacio Municipal de San Miguel, con la participación del alcalde Salvador Heresi, los poetas del distrito y la Orquesta Sinfónica Infantil y Preinfantil, que dirige Lila Arroyo.
Alcalde Salvador Heresi, sigue cumpliendo con su distrito, la cultura ocupa un lugar primordial en San Miguel. La mesa redonda de homenaje liderada por Salvador Heresi, alcalde de San Miguel, comuna que el año 2010 le otorgara al poeta José Watanabe, mediante Acuerdo de Consejo No. 036-2010, la Medalla Cívica de la Ciudad de San Miguel en Grado Póstumo, “por su bellísima obra literaria que llena de orgullo a la patria”.
Santiago Risso, poeta sanmiguelino y coordinador del programa “San Miguel, Municipio Lector”,preparó la “Remembranza de entrevista al poeta José Watanabe, mi vecino y amigo”
María del Rosario Domecq, escritora peruana, quien labora en ONU, Participó en la lectura, es sanmiguelina. Desde 1981 radica en New York. Está de tránsito por unos días, lo que afortunadamente permitió estar en el homenaje a Watanabe..
Benjamín Blass Rivarola, periodista y colaborador de la Biblioteca Nacional del Perú, disertó sobre “José Watanabe y la literatura infantil..
El poeta sanmiguelino y Premio Copé 1998 Óscar Limache presentó: “Una lectura desde San Miguel a la poesía de Watanabe”;
Lily Cuadra, poeta, narradora, cuenta cuentos, escritora de temas infantiles y juveniles. Interpretó dos poemas de Watanabe.
La noche cerró con broche de oro con la participación de la Orquesta Filarmónica Infantil del Perú, compuesta por 50 niños y dirigida por la maestra Lila Arroyo Torres, quienes interpretaron temas variados como “Los Picapiedras”, “Memory”, “Sakura” y “Chabuca limeña”.
Cabe añadir, que esta actividad se enmarca dentro del VI Festival Internacional “Palabra en el Mundo”, que se realiza este mes de mayo en más de 2,000 ciudades de todo el orbe, y cuyo lema, tan necesario e imprescindible en estos días y siempre, es “Démosle una oportunidad a la paz”.
Relatos orales recopilados por Arguedas en "Mitos, leyendas y cuentos peruanos"
Propuesta de nuestra titulada Chalena Vásquez
Tomada de PuntoEdu Boletín de noticias y eventos de la PUCP
http://puntoedu.pucp.edu.pe/videos/la-pucp-reaviva-relatos-orales-recopilados-por-arguedas/?utm_source=Mailchimp&utm_medium=email&utm_content=Enlaces-desde-boletin-de-noticias&utm_campaign=Boletin-Puntoedu
La PUCP reaviva relatos orales recopilados por Arguedas.
En videos y audios, se narran relatos orales que fueron publicados en "Mitos, leyendas y cuentos peruanos".
Los relatos orales viven en la voz y el cuerpo, trasmitidos en las comunidades de generación en generación. José María Arguedas publicó más de cien en Mitos, leyendas y relatos peruanos, de nuestra costa, sierra y selva. Casi sesenta años después, el Centro de Música y Danza de la PUCP (Cemduc) los relata en video y audio.
En 16 videos y 16 audios, una selección de los relatos publicados por Arguedas se reavivan en la voz y el cuerpo de ocho narradores. El denominado proyecto Rimaq Mayu (‘río de palabras’ en quechua) ha sido realizado por el Cemduc y los ministerios de Cultura y de Educación, entre las actividades de la Comisión Nacional por el Centenario del Natalicio de José María Arguedas, creada por el Estado el año pasado.
Las historias fueron seleccionadas de Mitos, leyendas y relatos peruanos, libro de Arguedas y Francisco Izquierdo publicado en 1947. Los escritores habían recopilado más de 7,000 relatos orales del Perú, a través de profesores y alumnos de diferentes comunidades, como un proyecto del Ministerio de Educación. De lo recolectado, 120 historias fueron publicadas, pero muchos peruanos aún las desconocen.
Chalena Vásquez, artista y directora del Cemduc, integró la Comisión Nacional por el Centenario del Natalicio de José María Arguedas. Fue ella quien propuso la narración en video y audio de una selección de los cuentos que recopiló nuestro gran escritor. Posteriormente, la PUCP se involucró en el proyecto aportando parte del financiamiento.
“Del libro publicado por Arguedas e Izquierdo, escogimos 16 relatos: cuatro de la costa, seis de la sierra y seis de la selva. Estos cuentos ya están listos para la televisión y para radio. Convocamos a ocho cuentacuentos, narradores orales experimentados, que provienen también de las tres regiones naturales, hombres y mujeres”, explica Vásquez.
Los relatos seleccionados fueron “La barquita misteriosa”, “Las Islas de Pachacamac”, “Atoghuarco”, “El Achique”, “La mina de sal”, “La carachupita shitarera”, “El Ayamaman”, “El caballito del diablo o Chinchilejo”, “El puma y el zorro”, “El indio Francisco”, “El cerro de la Campana”, “La fiesta de los negros”, “La piedra que cura el mal del corazón”, “La mujer encantada”, “La aparición de los seres humanos sobre la tierra” y “El Amaru”.
El director del proyecto fue el actor Luis Ramírez, quien además personifica a Arguedas en las grabaciones. El productor fue César “El Wayqui” Villegas, reconocido narrador oral; mientras que los narradores son Ángela Zignago, Amiel Cayo, Clara Indacochea “Kalane”, Claudia Curiel, Edwin Ortiz, Miguel “El Chato” Álvarez (en el video que acompaña esta nota), Tania Castro y el mismo “Wayqui” Villegas.
Las grabaciones serán difundidas en el programa Presencia Cultural, de Televisión Nacional del Perú, además de los medios institucionales de la PUCP en internet.
“Las grabaciones tienen entre cuatro y nueve minutos, pensadas en los tiempos de la radio y la televisión. Comienzan con unas palabras de Arguedas”, dice Chalena Vásquez. Algunas imágenes y música fueron donadas por los cineastas Fernando Valdivia y Ángel Romero y por el grupo La Tole Tole.
En nuestro Sistema de Bibliotecas
Mitos, leyendas y cuentos peruanos
José María Arguedas y Francisco Izquierdo, comp. Lima: Dirección de Educación Artística y Extensión Cultural, 1947
Código: PQ 8476 M7 (Biblioteca Central)
Código: PQ 8476 M7 1970 (Biblioteca de Ciencias Sociales, 2.da edición. 1970).
Tomada de PuntoEdu Boletín de noticias y eventos de la PUCP
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En videos y audios, se narran relatos orales que fueron publicados en "Mitos, leyendas y cuentos peruanos".
Los relatos orales viven en la voz y el cuerpo, trasmitidos en las comunidades de generación en generación. José María Arguedas publicó más de cien en Mitos, leyendas y relatos peruanos, de nuestra costa, sierra y selva. Casi sesenta años después, el Centro de Música y Danza de la PUCP (Cemduc) los relata en video y audio.
En 16 videos y 16 audios, una selección de los relatos publicados por Arguedas se reavivan en la voz y el cuerpo de ocho narradores. El denominado proyecto Rimaq Mayu (‘río de palabras’ en quechua) ha sido realizado por el Cemduc y los ministerios de Cultura y de Educación, entre las actividades de la Comisión Nacional por el Centenario del Natalicio de José María Arguedas, creada por el Estado el año pasado.
Las historias fueron seleccionadas de Mitos, leyendas y relatos peruanos, libro de Arguedas y Francisco Izquierdo publicado en 1947. Los escritores habían recopilado más de 7,000 relatos orales del Perú, a través de profesores y alumnos de diferentes comunidades, como un proyecto del Ministerio de Educación. De lo recolectado, 120 historias fueron publicadas, pero muchos peruanos aún las desconocen.
Chalena Vásquez, artista y directora del Cemduc, integró la Comisión Nacional por el Centenario del Natalicio de José María Arguedas. Fue ella quien propuso la narración en video y audio de una selección de los cuentos que recopiló nuestro gran escritor. Posteriormente, la PUCP se involucró en el proyecto aportando parte del financiamiento.
“Del libro publicado por Arguedas e Izquierdo, escogimos 16 relatos: cuatro de la costa, seis de la sierra y seis de la selva. Estos cuentos ya están listos para la televisión y para radio. Convocamos a ocho cuentacuentos, narradores orales experimentados, que provienen también de las tres regiones naturales, hombres y mujeres”, explica Vásquez.
Los relatos seleccionados fueron “La barquita misteriosa”, “Las Islas de Pachacamac”, “Atoghuarco”, “El Achique”, “La mina de sal”, “La carachupita shitarera”, “El Ayamaman”, “El caballito del diablo o Chinchilejo”, “El puma y el zorro”, “El indio Francisco”, “El cerro de la Campana”, “La fiesta de los negros”, “La piedra que cura el mal del corazón”, “La mujer encantada”, “La aparición de los seres humanos sobre la tierra” y “El Amaru”.
El director del proyecto fue el actor Luis Ramírez, quien además personifica a Arguedas en las grabaciones. El productor fue César “El Wayqui” Villegas, reconocido narrador oral; mientras que los narradores son Ángela Zignago, Amiel Cayo, Clara Indacochea “Kalane”, Claudia Curiel, Edwin Ortiz, Miguel “El Chato” Álvarez (en el video que acompaña esta nota), Tania Castro y el mismo “Wayqui” Villegas.
Las grabaciones serán difundidas en el programa Presencia Cultural, de Televisión Nacional del Perú, además de los medios institucionales de la PUCP en internet.
“Las grabaciones tienen entre cuatro y nueve minutos, pensadas en los tiempos de la radio y la televisión. Comienzan con unas palabras de Arguedas”, dice Chalena Vásquez. Algunas imágenes y música fueron donadas por los cineastas Fernando Valdivia y Ángel Romero y por el grupo La Tole Tole.
En nuestro Sistema de Bibliotecas
Mitos, leyendas y cuentos peruanos
José María Arguedas y Francisco Izquierdo, comp. Lima: Dirección de Educación Artística y Extensión Cultural, 1947
Código: PQ 8476 M7 (Biblioteca Central)
Código: PQ 8476 M7 1970 (Biblioteca de Ciencias Sociales, 2.da edición. 1970).
“Se nos vende por cultura cosas más relacionadas con el espectáculo y el mercado”
Tomado de PuntoEdu, Boletín de noticias y eventos de la PUCP
Nos pareció de sumo interés para los músicos, creadores y consumidores de cultura, este artíclo directamente dedicado al periodismo cultural.
Pilar Zúñiga.
http://puntoedu.pucp.edu.pe/videos/entrevista-gumersindo-lafuente-periodismo-cultural/?utm_source=Mailchimp&utm_medium=email&utm_content=Enlaces-desde-boletin-de-noticias&utm_campaign=Boletin-Puntoedu
“Se nos vende por cultura cosas más relacionadas con el espectáculo y el mercado”
Gumersindo Lafuente es el director adjunto del diario El País de España y visitó el Perú para participar del I Encuentro Internacional de Periodismo Cultural realizado en en el Centro Cultural de España. Anteriormente, fundó y dirigió el portal soitu.es, medio digital que se caracterizó por presentar un estilo participativo e independiente, adelantado a su época. Pese a que contaba con una enorme audiencia, la crisis y la ausencia de un inversionista valiente cortaron el proyecto luego de 22 meses. "Estamos convencidos de que una parte importante del futuro de nuestro oficio está en la conversación con los lectores", escribió Lafuente en su carta de despedida.
Si bien es cierto que definir lo que es y lo que no es cultura puede resultar un debate complicado y difícil de resolver, ¿vale la pena preguntarse qué es el periodismo cultural?
Definir lo que es cultura puede ser algo fácil o difícil. Soy periodista y prefiero hablar de periodismo. Entiendo que el periodismo cultural es el que se preocupa de estar pendiente de aquellas creaciones humanas que enriquecen nuestra vida de alguna manera. La cultura es algo muy extensa que tiene que ver con la creación artística en el sentido más tradicional pero con un conjunto de cosas que de alguna manera excitan nuestros sentidos. Estamos en Perú y la cultura de la gastronomía es algo fantástico, con lo que se disfruta y se aprende.
¿Cuál es el campo de acción que lo diferencia de otros ámbitos del periodismo especializado?
Yo creo que el periodismo cultural tiene un campo de acción muy extenso. Estamos en un momento en el que el periodismo está atravesando una situación compleja por la llegada de Internet y singularmente por la llegada de las redes sociales, en las que cualquier persona puede expresar su opinión sobre cualquier asunto, incluidos por supuesto los culturales. Hoy más que nunca las audiencias piden criterio, personas con conocimiento que les ayuden a filtrar, a decidir, a comprender. Y en los ámbitos culturales, el criterio especializado es en el que tiene más relevancia.
¿Por qué –a diferencia de la sección política- resulta poco frecuente encontrar investigaciones periodísticas en el campo de la cultura?
Quizá porque el periodismo de investigación se relaciona más con los escándalos políticos y económicos. Eso no quiere decir que en el mundo de la cultura no los haya, intervienen humanos y por lo tanto, ya sabemos que somos bastante imperfectos y que probablemente los habrá. Suelen tener que ver tradicionalmente con asuntos relacionados con la falsificación, con la copia, con la reproducción ilegal. Pero es verdad que el periodismo cultural ha tenido tradicionalmente un tono más amable, quizá es por eso.
En el seminario web “Periodismo cultural en los medios digitales” realizado a principios de este año, Ud. señaló que: “Una cosa es la cultura y otra algo que se puede parecer: la industria cultural, y no siempre coinciden”. ¿A qué se refería?
Estamos en un momento en el que la expresión cultural es algo relacionado con el talento individual y colectivo de las personas y los pueblos y eso no siempre ha de coincidir con la industria cultural, que se dedica a seleccionar talentos y a explotarlos con un fin fundamentalmente económico.
Estamos en una sociedad sofisticada en la que la comunicación se encarga de poner de moda cosas que se nos venden como cultura y que en realidad son productos del marketing. A veces es difícil deslindar una cosa de la otra, pero es como el problema que tenemos cuando hablamos de periodismo y comunicación: parecen lo mismo, pero son cosas bien diferentes. La sociedad tiene herramientas para estar lo suficientemente informada y para tener más conciencia de lo que es una cosa u otra.
¿Cuál es la situación del periodismo cultural en Iberoamérica?
Creo que como otros periodismos, está en un momento en el que, por un lado, los medios tradicionales empiezan a atravesar serias dificultades económicas (sobre todo en América del Norte y en España, en América Latina en menor medida) y eso afecta la calidad del periodismo. Pero por otro lado –y en paralelo- hay una enorme pujanza de nuevas publicaciones, pequeñas o medianas, impresas o digitales, que están demostrando que hay otra manera de abordar los hechos culturales. Revistas fantásticas como Etiqueta Negra, Orsai, El Malpensante, The Clinic o Frontera D que desde unas plataformas más austeras están haciendo productos de enorme calidad en los que hay historias, textos, fotografías que –y eso es una pena- escasean en otros tipos de medios más masivos.
Ud. fue director de soitu.es, un sitio web de información independiente y sumamente participativo. ¿Qué lecciones rescata de esta experiencia?
Bueno, fueron dos años muy interesantes en los que yo decía entonces que tenía la sensación de estar tocando con la yema de los dedos el futuro de los medios y de alguna forma muchas de las cosas que ahí experimentamos las estamos utilizando no solo en El País, el medio en el que trabajo ahora, sino que las están usando otros medios. Soitu.es fue una aventura fantástica, una mezcla de periodismo y tecnología de última generación y aunque desapareció (seguramente por nuestros errores y desde luego por la crisis), creo que mereció mucho la pena.
La intervención de los lectores en la agenda informativa a través de las redes sociales es cada vez más frecuente e intensa. ¿Satisfacer los gustos e intereses de la gente no puede convertirse a la larga en un arma de doble filo?
Sí. Por eso hay medios de diferente tipo, en Internet los vemos. Medios que fabrican la información a la medida de los gustos y de las peticiones de esa audiencia y saben trabajar para ellos, qué temas provocan más páginas vistas, más seguimiento y sin ningún tipo de timidez lo hacen así. A mí esos medios me interesan menos que los que procuran tener un criterio y hacer un producto con el que obviamente la audiencia se encuentre a gusto pero en el que no siempre a petición.
Lo importante del periodismo es la capacidad de encontrar cosas que tu audiencia no te pide pero si se las ofreces la vas a sorprender porque les va a interesar. Aumentar las miradas, descubrir los talentos: ese es el trabajo del periodista, tenemos que encontrar la manera de discernir, diferenciarnos, ofrecer valor añadido al público frente a otros productos que tienen menos nivel periodístico.
Muchas veces, los medios tradicionales limitan la sección Cultura a la cobertura de movidas artísticas, estrenos cinematográficos, páginas de sociales o de notas de chismes del espectáculo, y se deja de lado una serie de manifestaciones culturales que también merecerían esa atención.
Eso tiene que ver con todo lo que hemos hablado antes. Lo que vende frente a lo interesante pero que vende menos. Siempre ha sido así, tampoco nos vamos a sorprender hoy. El fenómeno cultural de contenido más exclusivo ha tenido menos audiencia. Lo que sí es verdad es que se ha mezclado todo y se nos está vendiendo por cultura cosas que están más relacionadas con el espectáculo y con el mercado. Bienvenida sea si es una entrada hacia asuntos culturales más relevantes para nuevos lectores que estén incorporando los medios.
Centro Cultural Inca Garcilaso de la Cancillería- "EL DESTINO NO TIENE FAVORITOS "
Centro Cultural Inca Garcilaso de la Cancillería
"EL DESTINO NO TIENE FAVORITOS "
de Álvaro Velarde
El jueves 24 de mayo a las 7:30 pm se proyectará la película "El destino no tiene favoritos" de Álvaro Velarde en el Cine Club del Centro Cultural Inca Garcilaso de la Cancillería (Jr. Ucayali 391, Lima). El ingreso es libre.
El evento forma parte de un Ciclo de Cine Peruano organizado conjuntamente con el Ministerio de Cultura.
Sinopsis:
Cuando el esposo de Ana renta el jardín de su casa para el rodaje de una telenovela, la mujer se ve envuelta en una producción dominada por un juego de poderes donde prevalece el chantaje y la intriga. Comedia sofisticada e ingeniosa, sátira mediática y caricatura socio-familiar. Protagonistas: Mónica Steuer, Javier Valdez, Paul Vega, Celine Aguirre, Angie Cepeda, Bernie Paz, Elena Romero, Tatiana Astengo, Rebeca Ráez, Víctor Ángeles.
"EL DESTINO NO TIENE FAVORITOS "
de Álvaro Velarde
El jueves 24 de mayo a las 7:30 pm se proyectará la película "El destino no tiene favoritos" de Álvaro Velarde en el Cine Club del Centro Cultural Inca Garcilaso de la Cancillería (Jr. Ucayali 391, Lima). El ingreso es libre.
El evento forma parte de un Ciclo de Cine Peruano organizado conjuntamente con el Ministerio de Cultura.
Sinopsis:
Cuando el esposo de Ana renta el jardín de su casa para el rodaje de una telenovela, la mujer se ve envuelta en una producción dominada por un juego de poderes donde prevalece el chantaje y la intriga. Comedia sofisticada e ingeniosa, sátira mediática y caricatura socio-familiar. Protagonistas: Mónica Steuer, Javier Valdez, Paul Vega, Celine Aguirre, Angie Cepeda, Bernie Paz, Elena Romero, Tatiana Astengo, Rebeca Ráez, Víctor Ángeles.
jueves, 24 de mayo de 2012
Conciertos del XXVII Festival Internacional de Flautistas empiezan EL 23 DEMAYO
PERUPERCUSION, OSN MUSICA TRADICIONAL LATINOMERICANA, FOLCLORE
Estimados amigos y seguidores de los Elencos Nacionales,
Adjuntamos tres invitaciones a las actividades musicales del Ministerio de Cultura.
I Festival Internacional de Percusión
Con la especial participación del maestro Ney Gabriel Rosauro, distinguido percusionista y compositor brasileño, se viene realizando el I Festival Internacional de Percusión,
PERUPERCUSIÓN, una notable iniciativa de los profesores del grupo de percusión de la Orquesta Sinfónica Nacional. PERUPERCUSIÓN es un programa organizado por el Ministerio de Cultura que promueve la capacitación de artistas peruanos y extranjeros en el estudio de la percusión, con instrumentos como la marimba, vibráfono, xilófono, glockenspiel, timbales, tambor, platillos de choque y accesorios como las castañuelas pandereta, triángulo, etc.
El objetivo de esta iniciativa es que los percusionistas, tanto académicos como empíricos, refuercen y actualicen su conocimiento sobre la importancia de los instrumentos de percusión y, a su vez, creen obras para los diversos instrumentos de esta familia. Este festival facilitará, además, un encuentro con la cultura peruana y el intercambio con otras culturas, potenciales oportunidades de trabajo y desarrollo para el talento musical joven que atrae posibilidades de estudios en otros países.
PERUPERCUSIÓN abre las puertas a futuros espacios de encuentro que conlleven a la permanente capacitación de músicos en diversas especialidades, como parte de las actividades que promueve el Ministerio de Cultura. El evento que se realiza desde el martes 22, congrega a expertos y aficionados en el arte de la percusión, quienes participarán en el concierto de clausura a realizarse el jueves 24, a las 19 hrs. en Gran Teatro de la Universidad de Ingeniería, UNI (Av. Túpac Amaru 280, Rímac). Este cierre será un homenaje al maestro Ney Rosauro por su trayectoria artística.
Orquesta Sinfónica Nacional presenta el festival "Música Tradicional Latinoamericana"
Con la presencia estelar del cuarteto vocal argentino Opus Cuatro, la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú presentará, este viernes 25, un concierto especial de éxitos de la música latinoamericana, entre los que se encuentran Fina estampa de Chabuca Granda y El día que me quieras de Carlos Gardel. Creado en 1968, Opus Cuatro es el grupo vocal de mayor trayectoria en Argentina y uno de los más importantes a nivel mundial con más de siete mil presentaciones en treinta y cinco países. Está integrado por los artistas Alberto Hassan (tenor l), Marcelo Balsells (tenor ll), Hernando Irahola (barítono) y Federico Galiana (bajo), quienes se especializan en el arte de la interpretación de música popular latinoamericana, el tango y los “spirituals”.
Para la presentación de este viernes contarán con la dirección de Germán Gutiérrez, uno de los invitados a este concierto, y quien anteriormente grabó junto a ellos y la Sinfónica del Centro de Música Latinoamericana de Texas Christian University (TCU) el CD Cantar Latinoamericano, producción musical ganadora del prestigioso Premio Carlos Gardel en el 2011. El listado de canciones que interpretarán incluye temas como el bailecito argentino Digo la Mazamorra, el pasaje venezolano Caballo viejo, la zamba Alfonsina y el mar, el corrido mexicano Guadalajara, el tango El día que me quieras y el vals peruano Fina estampa de nuestra gran Chabuca Granda; todo esto junto al magistral acompañamiento de la primera orquesta nacional. Este el noveno concierto de la Temporada Internacional de Otoño de la OSN que, en su primera parte, contará la participación del marimbista brasilero Ney Rosauro, solista invitado a este espectáculo, que tocará la pieza Obertura para un Festival Académico, op. 80 de Johannes Brahms y Concierto nº 2 para marimba y orquesta de su autoría. La cita es este viernes 25 de mayo a las 20.00 hrs. en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación (Av. Javier Prado Este 2465. San Borja).
Adquiera sus entradas en Teleticket de tiendas Wong y Metro, y en la boletería del museo, desde una hora antes del espectáculo. Se aplica un 50% de descuento para niños, estudiantes universitarios, jubilados y CONADIS.
Elenco Nacional de Folclore del Ministerio de Cultura
Un espectáculo permanente con la finalidad de difundir la música y danza tradicional peruana presentará los domingos 20 y 27 de mayo, el Elenco Nacional de Folclore del Ministerio de Cultura, en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación. El programa de “Domingos de Folclore” incluye bailes tradicionales de los departamentos de Ancash, Cusco, Huánuco, La Libertad, así como Ica y Lima con el Afro – Bisuto, coreografía que toma como base un pintoresco personaje de marcados rasgos africanos denominado “Guarajo”, que entonaba y repetía el estribillo de un antigua canción. En Las Pallas de Corongo, nuestros danzantes –con movimientos llenos de gracia, armonía y encanto- evocan a las collas del antiguo imperio incaico. En la recreación coreográfica Fiesta de los Tulumayos, se presentan los bailes que realizaban los primeros pobladores de la zona delimitada por los ríos Monzón y Pucará en Tingo María en honor al sol, la luna, las estrellas y el arco iris. La danza representativa de la comunidad Ccachín, en el Cusco, también está presente en “Domingos de Folclore”. Este Carnaval presenta las diferentes pruebas de destreza, resistencia y habilidad que se realizan en honor a los Apus en el ‘Samay’ o día de descanso. Un derroche de gracia, picardía habilidad, destreza y donaire nos presentan los dirigidos del maestro Fabricio Varela, con la Marinera Norteña, expresión musical del sentir popular, libre y espontáneo donde las parejas de danzantes nos muestran un coloquio de insinuación y enamoramiento. “Domingos del Folclore” los espera los domingos 20 y 27 de mayo; 03, 10, 17 y 24 de junio, en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación, ubicado en la avenida Javier Prado Este 2465, San Borja, a las 17.30 hrs. Entradas a partir de S/. 8. Niños, estudiantes y trabajadores del CONADIS tiene descuento del 50%.
Dirección de Elencos Nacionales
Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú
Adjuntamos tres invitaciones a las actividades musicales del Ministerio de Cultura.
I Festival Internacional de Percusión
Con la especial participación del maestro Ney Gabriel Rosauro, distinguido percusionista y compositor brasileño, se viene realizando el I Festival Internacional de Percusión,
PERUPERCUSIÓN, una notable iniciativa de los profesores del grupo de percusión de la Orquesta Sinfónica Nacional. PERUPERCUSIÓN es un programa organizado por el Ministerio de Cultura que promueve la capacitación de artistas peruanos y extranjeros en el estudio de la percusión, con instrumentos como la marimba, vibráfono, xilófono, glockenspiel, timbales, tambor, platillos de choque y accesorios como las castañuelas pandereta, triángulo, etc.
El objetivo de esta iniciativa es que los percusionistas, tanto académicos como empíricos, refuercen y actualicen su conocimiento sobre la importancia de los instrumentos de percusión y, a su vez, creen obras para los diversos instrumentos de esta familia. Este festival facilitará, además, un encuentro con la cultura peruana y el intercambio con otras culturas, potenciales oportunidades de trabajo y desarrollo para el talento musical joven que atrae posibilidades de estudios en otros países.
PERUPERCUSIÓN abre las puertas a futuros espacios de encuentro que conlleven a la permanente capacitación de músicos en diversas especialidades, como parte de las actividades que promueve el Ministerio de Cultura. El evento que se realiza desde el martes 22, congrega a expertos y aficionados en el arte de la percusión, quienes participarán en el concierto de clausura a realizarse el jueves 24, a las 19 hrs. en Gran Teatro de la Universidad de Ingeniería, UNI (Av. Túpac Amaru 280, Rímac). Este cierre será un homenaje al maestro Ney Rosauro por su trayectoria artística.
Orquesta Sinfónica Nacional presenta el festival "Música Tradicional Latinoamericana"
Con la presencia estelar del cuarteto vocal argentino Opus Cuatro, la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú presentará, este viernes 25, un concierto especial de éxitos de la música latinoamericana, entre los que se encuentran Fina estampa de Chabuca Granda y El día que me quieras de Carlos Gardel. Creado en 1968, Opus Cuatro es el grupo vocal de mayor trayectoria en Argentina y uno de los más importantes a nivel mundial con más de siete mil presentaciones en treinta y cinco países. Está integrado por los artistas Alberto Hassan (tenor l), Marcelo Balsells (tenor ll), Hernando Irahola (barítono) y Federico Galiana (bajo), quienes se especializan en el arte de la interpretación de música popular latinoamericana, el tango y los “spirituals”.
Para la presentación de este viernes contarán con la dirección de Germán Gutiérrez, uno de los invitados a este concierto, y quien anteriormente grabó junto a ellos y la Sinfónica del Centro de Música Latinoamericana de Texas Christian University (TCU) el CD Cantar Latinoamericano, producción musical ganadora del prestigioso Premio Carlos Gardel en el 2011. El listado de canciones que interpretarán incluye temas como el bailecito argentino Digo la Mazamorra, el pasaje venezolano Caballo viejo, la zamba Alfonsina y el mar, el corrido mexicano Guadalajara, el tango El día que me quieras y el vals peruano Fina estampa de nuestra gran Chabuca Granda; todo esto junto al magistral acompañamiento de la primera orquesta nacional. Este el noveno concierto de la Temporada Internacional de Otoño de la OSN que, en su primera parte, contará la participación del marimbista brasilero Ney Rosauro, solista invitado a este espectáculo, que tocará la pieza Obertura para un Festival Académico, op. 80 de Johannes Brahms y Concierto nº 2 para marimba y orquesta de su autoría. La cita es este viernes 25 de mayo a las 20.00 hrs. en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación (Av. Javier Prado Este 2465. San Borja).
Adquiera sus entradas en Teleticket de tiendas Wong y Metro, y en la boletería del museo, desde una hora antes del espectáculo. Se aplica un 50% de descuento para niños, estudiantes universitarios, jubilados y CONADIS.
Elenco Nacional de Folclore del Ministerio de Cultura
Un espectáculo permanente con la finalidad de difundir la música y danza tradicional peruana presentará los domingos 20 y 27 de mayo, el Elenco Nacional de Folclore del Ministerio de Cultura, en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación. El programa de “Domingos de Folclore” incluye bailes tradicionales de los departamentos de Ancash, Cusco, Huánuco, La Libertad, así como Ica y Lima con el Afro – Bisuto, coreografía que toma como base un pintoresco personaje de marcados rasgos africanos denominado “Guarajo”, que entonaba y repetía el estribillo de un antigua canción. En Las Pallas de Corongo, nuestros danzantes –con movimientos llenos de gracia, armonía y encanto- evocan a las collas del antiguo imperio incaico. En la recreación coreográfica Fiesta de los Tulumayos, se presentan los bailes que realizaban los primeros pobladores de la zona delimitada por los ríos Monzón y Pucará en Tingo María en honor al sol, la luna, las estrellas y el arco iris. La danza representativa de la comunidad Ccachín, en el Cusco, también está presente en “Domingos de Folclore”. Este Carnaval presenta las diferentes pruebas de destreza, resistencia y habilidad que se realizan en honor a los Apus en el ‘Samay’ o día de descanso. Un derroche de gracia, picardía habilidad, destreza y donaire nos presentan los dirigidos del maestro Fabricio Varela, con la Marinera Norteña, expresión musical del sentir popular, libre y espontáneo donde las parejas de danzantes nos muestran un coloquio de insinuación y enamoramiento. “Domingos del Folclore” los espera los domingos 20 y 27 de mayo; 03, 10, 17 y 24 de junio, en el Auditorio Los Incas del Museo de la Nación, ubicado en la avenida Javier Prado Este 2465, San Borja, a las 17.30 hrs. Entradas a partir de S/. 8. Niños, estudiantes y trabajadores del CONADIS tiene descuento del 50%.
Dirección de Elencos Nacionales
Av. Javier Prado Este 2465
Lima 41, San Borja
Lima • Perú
lunes, 21 de mayo de 2012
ANA SAVARAÍN LA SOLISTA Y LA MAESTRA: DOS CONCIERTOS
Anita Savaraín nos envía esta información sobre las dos últimas actividades que cumplirá en Perú, antes de regresar a Viena. No dejemos de asistir.
Son dos facetas de la maestra: la de solista y la de profesora, que está sembrando en el Conservatorio una verdadera técnica del clavecín y la música barroca. Ahí estaremos.
Lima 21 de Mayo del 2012
Estimados amigos!
Pronta de emprender regreso a Viena , ciudad de mi residencia , les participo e invito gentilmente a estas mis dos últimas actividades en el país:
Invitada a participar en los "Conciertos de el mediodía " de la PUCP. El jueves 24 del pte. en el Auditorio de la Facultad de Derecho de la Pontificia Universidad Católica a las 12.30, hora exacta, participaré interpretando al Clavecín obras de J.S Bach, Frescobaldi , Rameau, Scarlatti como algunas de mis transcripciones de los anónimos , del siglo XVIII del Perú del "Libro de Zifra " y del "Cuaderno de Música " ."CONCIERTOS DEL MEDIO DÍA" CONCIERTO DE CLAVECÍN ANA SAVARAIN BUSTILLO de GRAF
DÍA: Jueves 24 de Mayo a las 12.30 p.m.
Lugar: Auditorio de la Facultad de Derecho de la Pontificia Universidad Católica
Av. Universitaria 1801, San Miguel (Fundo Pando)
Así mismo , como final de la Clase Maestra "El Clavecín instrumento solista y en Música de Cämara" que dicto en el Conservatorio. El miércoles 30 del pte. a las 7.30 en el Auditorio del Centro Cultural "Ricardo Palma" situado en AV.Larco 770, Miraflores , tendrá lugar el concierto de fin de curso de mis alumnos, quienes interpretarán al clavecín sólo y con otros instrumentos, composiciones de Bird, Scarlatti, J.S. Bach, Haydn y de Victor Kalabis , compositor del siglo XX, como tambien del Archivo de la Catedral de Lima y del "Códice de Trujillo " del Siglo XVIII. Cierra el programa el 5to. Concierto Brandeburgues de Johann Sebastian Bach.
Concierto "El Clavecín Solista y en Música de Cämara " . Concierto de alumnos.
DIA: Miércoles 30 a las 19.30,
LUGAR: "CENTRO CULTURAL RICARDO PALMA"
Av. Larco 770, Miraflores
CONSERVATORIO VÍCTOR ALARCÓN Charla “Crecer Cantando” 18/5 12M
Queridos todos:
no quise dejar de enviarles este mensaje.
Ojalá puedan asistir.
Pilar Zúñiga
Conservatorio Nacional de Música
Dirección de Promoción de Actividades Musicales y de Extensión Cultural
Jr. Carabaya Nº 421, Lima
Tendremos la visita del Director de Coros Víctor Alarcón, quién nos brindará la Charla “Crecer Cantando” el día de mañana viernes 18 a las 12:00 m en la Sala de Ensayos del CNM. Adjuntamos reseña del maestro.
Los esperamos!!
VÍCTOR ALARCÓN
Víctor Alarcón, es director de coros, cantante y Licenciado en Música de la Universidad Católica de Chile donde, desde 1993 se desempeña como académico del Instituto de Musica. Inició su carrera en el Conservatorio Nacional de la Universidad de Chile, donde realizó estudios de Interpretación Superior en Canto.. Posteriormente ha realizado una labor nacional e internacional como director de coros, educador y gestor cultural.
Es fundador de numerosas agrupaciones corales tales como: el Coro de Estudiantes UC, Coro Bellas Artes, Coro de Adulto Mayor UC, Coro Crecer Cantando, Ensamble Vocal «Concerto Vocale», Coro de Exalumnos UC, Coro de la Facultad de Medicina UC, Coro de la Facultad de Derecho UC, Coro Penta UC.
Dirigiendo al Coro de Estudiantes UC y al Coro Bellas Artes, ha realizado conciertos en Suecia, Alemania, Suiza, España, Dinamarca, Francia, Bélgica, Italia, Inglaterra, Argentina, México, Perú y Brasil.
Su labor académica se ha desarrollado principalmente en el ámbito de la Extensión, para la difusión masiva del canto coral. Desde 1992 es Director Docente del Programa Crecer Cantando de la Corporación Cultural de Santiago-Teatro Municipal, en el que se articula y fomenta la actividad coral en los establecimientos educacionales de Santiago y regiones, logrando a la fecha, integrar a más 300.000 estudiantes a la experiencia del canto. Desde 1998 organiza el Curso Internacional de Dirección Coral IMUC, y desde 2004 es Director Artístico de la Temporada de Música Sacra UC. Ha realizado cursos de perfeccionamiento en todas las regiones del país y dictado, como profesor visitante, cursos y seminarios en Cuba, España Mexico y Argentina.
Dirigiendo sus coros y diversas orquestas chilenas, ha interpretado las más importantes obras del repertorio sinfónico coral, a destacar : «Réquiem» de W. A. Mozart, «Canto a la Cordillera» de Juan Orrego Salas, «Les Noces» de Igor Stravinsky, «Requiem» de Gabriel Faure, oratorio «Carmina Burana» de Carl Orff, oratorios «El Mesías» y «La Resurrezione» de George F. Haendel, las 4 Misas Luteranas, los 6 Motetes, la Pasión según San Juan, la Misa en Sim y la Pasión según San Mateo de Juan Sebastián.Bach, el oratorio «Elías» de Felix Mendelsshon, « Réquiem » de Robert Schumann, Misa Solemnis de Ramón Carnicer, Réquiem Alemán de Johannes Brahms, Misa Papa Marcello de Palestrina, Motete Spem in Alium de Thomas Tallis, Te-Deum de Arvo Pärt, Misa Romana de Sylvia Soublette, Oratorio « Cristo en el Monte de los Olivos » de L.v.Beethoven.
En 2000, 2002 y 2003, recibe el Premio de la Crítica, otorgado por el Círculo de Críticos de Arte de Chile : «por su aporte a la interpretación y desarrollo de la música coral» y los estrenos en Chile de «Visperas de la Beata Vergine» de Claudio Monteverdi y «Membra Jesu Nostri» de Dietrich Buxtehude, respectivamente. En 2001 recibe el premio «Exalumno Destacado UC». En 2003 junto a el equipo de Crecer Cantando, recibe el premio a la «Gestión Educacional» otorgado por el Consejo Chileno de la Música, filial UNESCO.
En 2008 participa junto a su Coro Crecer Cantando en el estreno mundial de la ópera Viento Blanco del compositor chileno Sebastían Errazuriz (Premio de la Crítica 2008). En 2009 participa junto a su Coro de Estudiantes UC y la Compañía Ópera UC, dirigida por Myriam Singer, en el estreno en Chile de la ópera Orfeo de Claudio Monrteverdi (Premio de la Crítica 2009, en la Especialidad Ópera Nacional, otorgado por el Círculo de Críticos de Arte de Chile). En diciembre de 2011 es nombrado Ciudadano Distinguido de su ciudad natal, Punta Arenas.
Pilar Zúñiga
CÉSAR VIVANCO CON LA OSN 18 DE MAYO- FESTIVAL INTERNACIONAL DE FLAUTISTAS
César Vivanco Compositor
El VIERNES 18 DEL PRESENTE A LAS 7.30 PM en el Auditorio Los Incas del Ministerio de Cultura la Orquesta Sinfónica Nacional estrenará el Concierto para flauta y orquesta sobre tres ritmos populares en tres momentos de mi vida, de César Vivanco Sánchez.
Solista...César Vivanco, flauta - Perú
Dirige...Gerald Elias, EEUU
Gracias!!!!
cvs
flautaperuana@yahoo.com
El VIERNES 18 DEL PRESENTE A LAS 7.30 PM en el Auditorio Los Incas del Ministerio de Cultura la Orquesta Sinfónica Nacional estrenará el Concierto para flauta y orquesta sobre tres ritmos populares en tres momentos de mi vida, de César Vivanco Sánchez.
Solista...César Vivanco, flauta - Perú
Dirige...Gerald Elias, EEUU
Gracias!!!!
cvs
flautaperuana@yahoo.com
Programa OSN 18 de mayo 2012 - Festival Internacional de Flautistas
MINISTERIO DE CULTURA
ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL
TEMPORADA INTERNACIONAL DE OTOÑO 2012
Viernes 18 de mayo – 8:00 p.m.
Auditorio Los Incas del Museo de la Nación
Director invitado : Gerald Elías (USA)
Solistas : Joaquín Melo, flauta (Colombia)
César Vivanco, flauta (Perú)
“Festival Internacional de Flautistas”
Programa
I
Gioachino Rossini La Gazza Ladra - Obertura
Pyotr Ilyich Tchaikovsky Capricho Italiano op. 45
II
Wolfgang Amadeus Mozart Concierto para flauta nº 2 en re mayor, KV. 314
Allegro Aperto
Andante ma non Troppo
Allegro
César Vivanco Sánchez Concierto para flauta y orquesta sobre tres ritmos
populares y tres momentos en mi vida (estreno
mundial)
I Fiesta en el barrio - Cumbia
II Procesión ( A Dios…adiós) – Danza habanera
III Negrura - Panalivioson
Gerald Elías
(Director)
Violinista, educador, director y compositor. Desde 1988 es Concertista Asociado de la Sinfónica de Utah. Además, ha sido violinista de la Sinfónica de Boston, primer violinista del Cuarteto de Cuerdas Abramyam y Director Musical de la serie Vivaldi Candlelight Concerts. Actualmente es también profesor en la Escuela de Música de la Universidad de Utah.
Elias fue becario del Tanglewood Music Center, y fue asistido por el Guarneri String Quartet en el Norfolk Summer Music Festival. Luego fue jurado en el famoso Tanglewood Fellowship Conducting Program. Se unió a la Sinfónica de Boston con tan solo 22 años, como miembro de la sección de violines y como profesor del Boston University Tanglewood Institute. Entre 1986 y 1987, Elias pasó sus años sabáticos como violinista, director y profesor visitante en conservatorios y universidades en Japón, Nueva Zelanda y Australia, antes de convertirse en Maestro Concertista de la Sinfónica de Utah en 1988.
Además de dirigir en los Estados Unidos, ha sido invitado al Festival de Ópera Queensland North. Como solista ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Sidney, Boston Pops. Asimismo en Italia, Japón, Australia, Nueva Zelandia y Perú.
En el 2004 Elías fue honrado con el título de Profesor del Año en el Utah Chapter de la Asociación Americana de Profesores de Cuerda.
En el presente año participa dirigiendo la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Sinfónica Juvenil del Ministerio de Educación y como Intérprete de violín.
Joaquin Melo
(Flauta)
Es uno de los flautistas colombianos más importantes de su generación. Nació en Bogota, Colombia, ciudad en la que realiza sus estudios básicos de flauta, los cuales perfecciona en Viena (Austria) en la Universidad de Música de esta ciudad, graduándose con honores en flauta y pedagogía siendo sus maestros Walter Wretschitsch y Barbara Gisler.
Continúa sus estudios en la ciudad de Zürich en la Academia de Música y Teatro con el maestro Philippe Racine, obteniendo el grado de Concertista con mención honorífica.
Paralelamente participa en cursos magistrales con los maestros Peter Lukas Graf, Robert Airken, Janos Balint y Jaques Zoon.
En el 2001 es semifinalista en el Concurso Internacional Kuhlau que se realiza en Alemania en la modalidad de dúo con piano.
Ha sido solista con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Orquesta Sinfónica de Colombia y la Orquesta Sinfónica de Yucatán.
Igualmente ha sido invitado al Festival Nacional Universitario de Flauta traversa de la Ciudad de México y en los festivales organizados por la Asociación Nacional de Flautistas de Colombia, Austria, Hungría, Alemania, Japón y México.
Desde 1990 hasta el 2001 fue maestro de flauta del Conservatorio Municipal de Bruck an der Leitha en Austria.
Ha realizado cursos magistrales en la Universidad Nacional de Colombia, en el Conservatorio de la Rosas de la ciudad de Morelia y en julio de 2011 es invitado por el maestro Juan Felipe Molano para realizar ensayos del grupo de maderas de la Orquesta Juvenil Batuta de Bogotá en preparación para su gira en Europa.
Es miembro del Ensemble de Música Contemporánea SequenzaSur, con el que ha participado exitosamente en festivales tales como “Festival Cervantino”, “Festival Puerta de las Américas”, “Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez” y “Festival Internacional de Música de Morelia”.
En la actualidad es maestro de flauta en el Centro de Música José Jacinto Cuevas del Instituto de Cultura de Yucatán y también de la Escuela Superior de Artes de Yucatán.
Desde 2002 es flautista principal de la Orquesta Sinfónica de Yucatán.
César Vivanco
(Flauta)
Nació en Lima el 30 de noviembre de 1949.
Director Fundador de los Festivales Internacionales de Flautistas.
Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música en 1965. Estudió con los profesores Alberto y Fernando Harms en Santiago de Chile y con el profesor Hartmut Stemann en Lima.
En 1974 viajó a Sao Paulo a un Seminario de Música de Cámara y ese mismo año obtuvo su título en la Escuela Nacional de Música.
En 1978 es becado por la OEA para perfeccionarse con el notable maestro Alfredo Ianelli en Buenos Aires-Argentina.
Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Trujillo, Orquesta Pro – Lírica, Orquesta del Conservatorio Nacional de Música y con la Orquesta Filarmónica Universidad de Lima.
En 1992 fue invitado al II Festival Internacional de Flautistas en la Mitad del Mundo (Quito).
Luego se presentó como solista en la Vigésima Convención Anual de Flautistas en Los Ángeles, siendo así el primer flautista peruano en haber participado en un evento de tan alta categoría.
Se ha presentado en Río de Janeiro, Porto Alegre, Sao Paulo, Alabama, Örebro, Bergen, Bonn, Cali, Cuenca, Colonia, Hamburgo, Chile.
Ha grabado la banda sonora de diferentes cortos y películas de largo metraje.
En la actualidad cuenta con tres CD´s “Te vi una vez” (música de la costa del Perú), “Costa, Sierra y Selva al estilo de César Vivanco” (orquesta, coros, conjuntos folklóricos y textos en castellano / inglés), “César Vivanco ¡¡¡Qué salsa tiene usted!!!”. Todos con excelente crítica de la prensa especializada.
La Pontificia Universidad Católica del Perú ha editado el libro FLAUTA SOLA con composiciones propias.
En marzo del 2004 se presentó como solista en el Flöten Festival en Hamburgo. Asimismo con el Proyecto Flautas de Sudamérica.
Ha sido Primer Flauta de la Orquesta Sinfónica Nacional durante 25 años consecutivos.
Ejerció el cargo de director de la Academia de Música Yamaha en los años 2002-Agosto 2003.
Asimismo ha sido Director de Promoción y Actividades Musicales del Conservatorio Nacional de Música del año 2003 al 2006.
Es maestro de su especialidad en el Conservatorio Nacional de Música.
Ha dirigido la Banda Sinfónica del Festival Nacional de Vientos en Trujillo (2008-2011) y en enero de 2009 y 2010 la Banda Sinfónica del Festival Internacional para Instrumentos de Viento y Percusión “Vientos del Norte” en la Ciudad de Eten-Chiclayo.
En junio del 2009 se presentó en la II Convención Internacional de Flautistas en el Centro del Mundo (XIX Festival), realizado en Quito – Ecuador.
Durante los años 2007, 2008 y 2009, se desempeñó como Director de la Orquesta del Conjunto Nacional de Folklore.
Actualmente está dirigiendo la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea del Perú.
Recientemente viajó a Utah, invitado por la Brigham Young University para dictar clases maestras así como presentar sus trabajos y composiciones de música peruana. De igual forma ofreció un concierto dentro de la Temporada Vivaldi by Candlelight recibiendo una excelente crítica de la prensa especializada. Asimismo, se presentó en el Intermontain Acoustic Festival y en el “Peruvian Party Celebration”
Actualmente está dirigiendo la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea del Perú.
Notas al programa
Gioacchino Rossini (Pésaro 1792 - París 1868)
La gazza ladra (La urraca ladrona) es una ópera semiseria en dos actos, compuesta en 1817. El libreto fue concebido por Giovanni Gherardini y Louis-Charles Caigniez. La obra es mejor conocida por su obertura, la cual se destaca por el uso de tambores.
Rossini fue famoso por su rapidez al escribir y La gazza ladra no fue la excepción. Se dice que el productor tuvo que encerrar a Rossini en una habitación el día anterior a la primera presentación para que compusiera la obertura. Más tarde, Rossini lanzó los papeles a través de una ventana a los copiadores, quienes completaron las partes orquestales.
Pyotr Ilyich Tchaikovsky (Votkinsk 1840 – San Petersburgo 1893)
Es en realidad una fantasía para orquesta que Tschaikowsky compuso en 1880 y fue estrenada el mismo año en Moscú, bajo la dirección de Nicolás Rubinstein.
La obra se inspiró en el país predilecto de Tschaikowsky y la compuso precisamente en Roma, duarante los carnavales..
La primera intención de Tschaikowsky fue componer un equivalente italiano de la fantasías españolas de Glinka. En una carta a su mecenas Nadeyda von Meck, puntualiza que el espíritu fundamental del Capricho se nutre del encanto de las canciones populares. Tras la primera ejecución de la obra, un artículo publicado en la prensa señalaba: “El resplandor y pulsación de una vida intensa crean un fondo de colores cálidos sobre el que centellean la sdulces canzones italianas.” El Capricho Italiano es el homenaje espontáneo de un compositor del norte a la atmósfera de vida, de canto y de fiesta de un país meridional.
Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo 1756 – Viena 1791)
La flauta nunca fue uno de los instrumentos predilectos de Mozart, de allí que las obras que compuso para dicho instrumento fueran producto de encargos más que de su propia voluntad. Mozart recibió, de un holandés de apellido De Jean, la solicitud de escribir «tres pequeños conciertos fáciles y cortos y dos cuartetos para flauta», a cambio de la suma de 100 florines. Finalmente compuso únicamente dos conciertos y tres cuartetos, y su mecenas holandés resultó un mal pagador. El Concierto Nº 2 para flauta es, según apunta Michel Parouty, la transposición a la tonalidad de Re del Concierto para oboe en Do mayor KV 271 que Mozart había escrito durante el verano de 1777. En opinión de Parouty, la «gracia viva y ligera de este concierto deja entrever la influencia francesa». Su último movimiento es considerado por sí solo como una obra maestra llena de alegría y frescura.
César Vivanco (Lima 1949)
César Vivanco ha compuesto diversas marchas militares, marchas regulares, valses, boleros entre otros. Asimismo tiene la Fantasía Andina sobre el Cóndor pasa y El Capricho para flauta sola sobre La flor de la canela
El Concierto para flauta y orquesta nace de una idea de escribir una sonata popular para flauta, piano, contrabajo y percusión, tal fue el éxito de esta sonata que al presentarla en diversos escenarios nacionales y del extranjero, surgió la idea de convertirla en un concierto para flauta y orquesta, utilizando la cuerda como base primordial del acompañamiento, en los tres movimientos. Basada en tres ritmos populares que son la cumbia, la danza habanera y el panalivio fusionado con el son cubano. Para ello utiliza percusión sinfónica y latina. La instrumentación utiliza flauta solista, 1 oboe, 2 clarinetes, 2 cornos, percusión completa y cuerdas.
Tiene como inspiración fundamental tres momentos importantes en mi vida, como son la juventud, el compromiso católico y la música que siempre cultivé.
El primer movimiento, es el momento de mi juventud en los barrios altos y donde asistí a mis primeras reuniones sociales, de ahí el nombre “Fiesta en el barrio” y el ritmo utilizado es la cumbia que en los años sesentas entraba con fuerza en el ámbito limeño, con grupos foráneos y nacionales. En este movimiento escucharemos realmente una fiesta en el barrio, con silbidos, palmas y guapeos, donde el público participa.
Presesión (A Dios… adiós) No encontré mejor manifestación musical que la danza habanera para rendir culto a mi formación católica, ya que este tema fue pensado y compuesto en homenaje al Señor de los Milagros, que como integrante de la Sétima Cuadrilla, guardamos la sagradas andas cada 10 años sin saber si estaremos ahí 10 años después; por ello el título A Dios …adiós. Este momento, perdurará por siempre.
El tercer movimiento Negrura (Panalivioson) es una fusión de dos ritmos muy arraigados a mi vida puesto que durante muchos años vengo cultivando la música peruana (valses, polkas, huaynos, festejos, música negra en general) así como el son cubano.
El título Negrura es dedicado a este hermoso color de nuestras raíces ancestrales; en especial el color de las hermosas mujeres. Negrura, también es la oscuridad de la noche; cómplice perfecta para vivir esta hermosa música. Trato de juntar el ritmo negro peruano con el Son cubano.
La característica más importante del concierto son las improvisaciones del solista, que no están escritas pero sí medidas exactamente con la estructura orquestal. Estas improvisaciones serán interpretadas de acuerdo al calor del momento. Los tres movimientos empiezan con el llamado de la percusión.
Finalmente dejo a vuestra consideración y a la de los flautistas del mundo, el presente trabajo.
TEMPORADA INTERNACIONAL DE OTOÑO 2012
Viernes 18 de mayo – 8:00 p.m.
Auditorio Los Incas del Museo de la Nación
Director invitado : Gerald Elías (USA)
Solistas : Joaquín Melo, flauta (Colombia)
César Vivanco, flauta (Perú)
“Festival Internacional de Flautistas”
Programa
I
Gioachino Rossini La Gazza Ladra - Obertura
Pyotr Ilyich Tchaikovsky Capricho Italiano op. 45
II
Wolfgang Amadeus Mozart Concierto para flauta nº 2 en re mayor, KV. 314
Allegro Aperto
Andante ma non Troppo
Allegro
César Vivanco Sánchez Concierto para flauta y orquesta sobre tres ritmos
populares y tres momentos en mi vida (estreno
mundial)
I Fiesta en el barrio - Cumbia
II Procesión ( A Dios…adiós) – Danza habanera
III Negrura - Panalivioson
Gerald Elías
(Director)
Violinista, educador, director y compositor. Desde 1988 es Concertista Asociado de la Sinfónica de Utah. Además, ha sido violinista de la Sinfónica de Boston, primer violinista del Cuarteto de Cuerdas Abramyam y Director Musical de la serie Vivaldi Candlelight Concerts. Actualmente es también profesor en la Escuela de Música de la Universidad de Utah.
Elias fue becario del Tanglewood Music Center, y fue asistido por el Guarneri String Quartet en el Norfolk Summer Music Festival. Luego fue jurado en el famoso Tanglewood Fellowship Conducting Program. Se unió a la Sinfónica de Boston con tan solo 22 años, como miembro de la sección de violines y como profesor del Boston University Tanglewood Institute. Entre 1986 y 1987, Elias pasó sus años sabáticos como violinista, director y profesor visitante en conservatorios y universidades en Japón, Nueva Zelanda y Australia, antes de convertirse en Maestro Concertista de la Sinfónica de Utah en 1988.
Además de dirigir en los Estados Unidos, ha sido invitado al Festival de Ópera Queensland North. Como solista ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Sidney, Boston Pops. Asimismo en Italia, Japón, Australia, Nueva Zelandia y Perú.
En el 2004 Elías fue honrado con el título de Profesor del Año en el Utah Chapter de la Asociación Americana de Profesores de Cuerda.
En el presente año participa dirigiendo la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Sinfónica Juvenil del Ministerio de Educación y como Intérprete de violín.
Joaquin Melo
(Flauta)
Es uno de los flautistas colombianos más importantes de su generación. Nació en Bogota, Colombia, ciudad en la que realiza sus estudios básicos de flauta, los cuales perfecciona en Viena (Austria) en la Universidad de Música de esta ciudad, graduándose con honores en flauta y pedagogía siendo sus maestros Walter Wretschitsch y Barbara Gisler.
Continúa sus estudios en la ciudad de Zürich en la Academia de Música y Teatro con el maestro Philippe Racine, obteniendo el grado de Concertista con mención honorífica.
Paralelamente participa en cursos magistrales con los maestros Peter Lukas Graf, Robert Airken, Janos Balint y Jaques Zoon.
En el 2001 es semifinalista en el Concurso Internacional Kuhlau que se realiza en Alemania en la modalidad de dúo con piano.
Ha sido solista con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Orquesta Sinfónica de Colombia y la Orquesta Sinfónica de Yucatán.
Igualmente ha sido invitado al Festival Nacional Universitario de Flauta traversa de la Ciudad de México y en los festivales organizados por la Asociación Nacional de Flautistas de Colombia, Austria, Hungría, Alemania, Japón y México.
Desde 1990 hasta el 2001 fue maestro de flauta del Conservatorio Municipal de Bruck an der Leitha en Austria.
Ha realizado cursos magistrales en la Universidad Nacional de Colombia, en el Conservatorio de la Rosas de la ciudad de Morelia y en julio de 2011 es invitado por el maestro Juan Felipe Molano para realizar ensayos del grupo de maderas de la Orquesta Juvenil Batuta de Bogotá en preparación para su gira en Europa.
Es miembro del Ensemble de Música Contemporánea SequenzaSur, con el que ha participado exitosamente en festivales tales como “Festival Cervantino”, “Festival Puerta de las Américas”, “Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez” y “Festival Internacional de Música de Morelia”.
En la actualidad es maestro de flauta en el Centro de Música José Jacinto Cuevas del Instituto de Cultura de Yucatán y también de la Escuela Superior de Artes de Yucatán.
Desde 2002 es flautista principal de la Orquesta Sinfónica de Yucatán.
César Vivanco
(Flauta)
Nació en Lima el 30 de noviembre de 1949.
Director Fundador de los Festivales Internacionales de Flautistas.
Inició sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música en 1965. Estudió con los profesores Alberto y Fernando Harms en Santiago de Chile y con el profesor Hartmut Stemann en Lima.
En 1974 viajó a Sao Paulo a un Seminario de Música de Cámara y ese mismo año obtuvo su título en la Escuela Nacional de Música.
En 1978 es becado por la OEA para perfeccionarse con el notable maestro Alfredo Ianelli en Buenos Aires-Argentina.
Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional, Orquesta Sinfónica de Trujillo, Orquesta Pro – Lírica, Orquesta del Conservatorio Nacional de Música y con la Orquesta Filarmónica Universidad de Lima.
En 1992 fue invitado al II Festival Internacional de Flautistas en la Mitad del Mundo (Quito).
Luego se presentó como solista en la Vigésima Convención Anual de Flautistas en Los Ángeles, siendo así el primer flautista peruano en haber participado en un evento de tan alta categoría.
Se ha presentado en Río de Janeiro, Porto Alegre, Sao Paulo, Alabama, Örebro, Bergen, Bonn, Cali, Cuenca, Colonia, Hamburgo, Chile.
Ha grabado la banda sonora de diferentes cortos y películas de largo metraje.
En la actualidad cuenta con tres CD´s “Te vi una vez” (música de la costa del Perú), “Costa, Sierra y Selva al estilo de César Vivanco” (orquesta, coros, conjuntos folklóricos y textos en castellano / inglés), “César Vivanco ¡¡¡Qué salsa tiene usted!!!”. Todos con excelente crítica de la prensa especializada.
La Pontificia Universidad Católica del Perú ha editado el libro FLAUTA SOLA con composiciones propias.
En marzo del 2004 se presentó como solista en el Flöten Festival en Hamburgo. Asimismo con el Proyecto Flautas de Sudamérica.
Ha sido Primer Flauta de la Orquesta Sinfónica Nacional durante 25 años consecutivos.
Ejerció el cargo de director de la Academia de Música Yamaha en los años 2002-Agosto 2003.
Asimismo ha sido Director de Promoción y Actividades Musicales del Conservatorio Nacional de Música del año 2003 al 2006.
Es maestro de su especialidad en el Conservatorio Nacional de Música.
Ha dirigido la Banda Sinfónica del Festival Nacional de Vientos en Trujillo (2008-2011) y en enero de 2009 y 2010 la Banda Sinfónica del Festival Internacional para Instrumentos de Viento y Percusión “Vientos del Norte” en la Ciudad de Eten-Chiclayo.
En junio del 2009 se presentó en la II Convención Internacional de Flautistas en el Centro del Mundo (XIX Festival), realizado en Quito – Ecuador.
Durante los años 2007, 2008 y 2009, se desempeñó como Director de la Orquesta del Conjunto Nacional de Folklore.
Actualmente está dirigiendo la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea del Perú.
Recientemente viajó a Utah, invitado por la Brigham Young University para dictar clases maestras así como presentar sus trabajos y composiciones de música peruana. De igual forma ofreció un concierto dentro de la Temporada Vivaldi by Candlelight recibiendo una excelente crítica de la prensa especializada. Asimismo, se presentó en el Intermontain Acoustic Festival y en el “Peruvian Party Celebration”
Actualmente está dirigiendo la Banda Sinfónica de la Fuerza Aérea del Perú.
Notas al programa
Gioacchino Rossini (Pésaro 1792 - París 1868)
La gazza ladra (La urraca ladrona) es una ópera semiseria en dos actos, compuesta en 1817. El libreto fue concebido por Giovanni Gherardini y Louis-Charles Caigniez. La obra es mejor conocida por su obertura, la cual se destaca por el uso de tambores.
Rossini fue famoso por su rapidez al escribir y La gazza ladra no fue la excepción. Se dice que el productor tuvo que encerrar a Rossini en una habitación el día anterior a la primera presentación para que compusiera la obertura. Más tarde, Rossini lanzó los papeles a través de una ventana a los copiadores, quienes completaron las partes orquestales.
Pyotr Ilyich Tchaikovsky (Votkinsk 1840 – San Petersburgo 1893)
Es en realidad una fantasía para orquesta que Tschaikowsky compuso en 1880 y fue estrenada el mismo año en Moscú, bajo la dirección de Nicolás Rubinstein.
La obra se inspiró en el país predilecto de Tschaikowsky y la compuso precisamente en Roma, duarante los carnavales..
La primera intención de Tschaikowsky fue componer un equivalente italiano de la fantasías españolas de Glinka. En una carta a su mecenas Nadeyda von Meck, puntualiza que el espíritu fundamental del Capricho se nutre del encanto de las canciones populares. Tras la primera ejecución de la obra, un artículo publicado en la prensa señalaba: “El resplandor y pulsación de una vida intensa crean un fondo de colores cálidos sobre el que centellean la sdulces canzones italianas.” El Capricho Italiano es el homenaje espontáneo de un compositor del norte a la atmósfera de vida, de canto y de fiesta de un país meridional.
Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo 1756 – Viena 1791)
La flauta nunca fue uno de los instrumentos predilectos de Mozart, de allí que las obras que compuso para dicho instrumento fueran producto de encargos más que de su propia voluntad. Mozart recibió, de un holandés de apellido De Jean, la solicitud de escribir «tres pequeños conciertos fáciles y cortos y dos cuartetos para flauta», a cambio de la suma de 100 florines. Finalmente compuso únicamente dos conciertos y tres cuartetos, y su mecenas holandés resultó un mal pagador. El Concierto Nº 2 para flauta es, según apunta Michel Parouty, la transposición a la tonalidad de Re del Concierto para oboe en Do mayor KV 271 que Mozart había escrito durante el verano de 1777. En opinión de Parouty, la «gracia viva y ligera de este concierto deja entrever la influencia francesa». Su último movimiento es considerado por sí solo como una obra maestra llena de alegría y frescura.
César Vivanco (Lima 1949)
César Vivanco ha compuesto diversas marchas militares, marchas regulares, valses, boleros entre otros. Asimismo tiene la Fantasía Andina sobre el Cóndor pasa y El Capricho para flauta sola sobre La flor de la canela
El Concierto para flauta y orquesta nace de una idea de escribir una sonata popular para flauta, piano, contrabajo y percusión, tal fue el éxito de esta sonata que al presentarla en diversos escenarios nacionales y del extranjero, surgió la idea de convertirla en un concierto para flauta y orquesta, utilizando la cuerda como base primordial del acompañamiento, en los tres movimientos. Basada en tres ritmos populares que son la cumbia, la danza habanera y el panalivio fusionado con el son cubano. Para ello utiliza percusión sinfónica y latina. La instrumentación utiliza flauta solista, 1 oboe, 2 clarinetes, 2 cornos, percusión completa y cuerdas.
Tiene como inspiración fundamental tres momentos importantes en mi vida, como son la juventud, el compromiso católico y la música que siempre cultivé.
El primer movimiento, es el momento de mi juventud en los barrios altos y donde asistí a mis primeras reuniones sociales, de ahí el nombre “Fiesta en el barrio” y el ritmo utilizado es la cumbia que en los años sesentas entraba con fuerza en el ámbito limeño, con grupos foráneos y nacionales. En este movimiento escucharemos realmente una fiesta en el barrio, con silbidos, palmas y guapeos, donde el público participa.
Presesión (A Dios… adiós) No encontré mejor manifestación musical que la danza habanera para rendir culto a mi formación católica, ya que este tema fue pensado y compuesto en homenaje al Señor de los Milagros, que como integrante de la Sétima Cuadrilla, guardamos la sagradas andas cada 10 años sin saber si estaremos ahí 10 años después; por ello el título A Dios …adiós. Este momento, perdurará por siempre.
El tercer movimiento Negrura (Panalivioson) es una fusión de dos ritmos muy arraigados a mi vida puesto que durante muchos años vengo cultivando la música peruana (valses, polkas, huaynos, festejos, música negra en general) así como el son cubano.
El título Negrura es dedicado a este hermoso color de nuestras raíces ancestrales; en especial el color de las hermosas mujeres. Negrura, también es la oscuridad de la noche; cómplice perfecta para vivir esta hermosa música. Trato de juntar el ritmo negro peruano con el Son cubano.
La característica más importante del concierto son las improvisaciones del solista, que no están escritas pero sí medidas exactamente con la estructura orquestal. Estas improvisaciones serán interpretadas de acuerdo al calor del momento. Los tres movimientos empiezan con el llamado de la percusión.
Finalmente dejo a vuestra consideración y a la de los flautistas del mundo, el presente trabajo.
Coro de la Cappella Sistina en Westminster Cathedral (Londres)
AUGUSTO GARAY , Y LOS NIÑOS DIEGO DEL VALLE Y PABLO MORA, INTEGRAN ESTA IMPORTANTE AGRUPACIÓN.
Querida Pilar,
te mando esta noticia calientita del grande concierto que dimos anteanoche en Westminster Cathedral (Londres), el coro de la Cappella Sistina.
De la Sixtina hacemos parte trés peruanos, dos niños y un adulto.
Los niños son: Diego del Valle y Pablo Mora.
Muchos saludos.
Augusto
The Pope's personal choir at WestminsterCathedral - the Sistine Chapel Choir's first ever British performance
The Sistine Chapel Choir at Westminster Cathedral (c)
Mazur/catholicnews.org.uk - published under a creative commons licence (source: Flickr)
Last night saw the Cappella Musicale
Pontifica "Sistina"(the Sistine Chapel Choir) give a concert of devotional music at Westminster Cathedral - its first ever UK performance. During its extremely long history, the Pope’s personal choir had never before visited these shores. Therefore, yesterday’s concert was a truly historic event, both in ecclesiastical and musical terms.
The Sistine Chapel Choir sings at most Papal Liturgies in Rome, and traces its beginnings back to the earliest centuries of the Church – Pope St Sylvester I is known to have had a schola cantorum in the early fourth century. This choir was first reorganised by Pope St Gregory the Great in the sixth century, whilst Pope Boniface VIII also made some significant changes to it during the Middle Ages. Pope Sixtus IV made it his personal choir in 1471, and renamed it the Cappella Musicale Pontifica "Sistina", due to the fact that it usually provided the music for liturgies in his newly restored Sistine Chapel.
During the Renaissance, the choir counted many illustrious composers amongst its members – men such as Palestrina, Marenzio, Morales, Josquin des Pres and Jacob Arkadelt. During the whole of the first half of the twentieth century, it was led by the great composer, Lorenzo Perosi, who - despite suffering from various mental and physical illnesses (the kind of person I have a soft spot for) - wrote some of
the Church's finest music. Another important twentieth century director was Cardinal Domenico Bartolucci. He is still alive, and was given the red hat only in 2010 – soon after stating publicly that he “always and without interruption celebrated” the old Rite, and that “the new rite had deficiencies is by now becoming evident for everybody.”
After the directorship of Bartolucci's successor, Mgr Giuseppe Liberto, and a month exactly after celebrating Mass at Westminster Cathedral, Pope Benedict XVI appointed the respected liturgist and musician, Mgr Massimo Palombella SDB, as choirmaster of the Sistine Chapel Choir. It was he who directed last night’s performance in London.
Whilst listening to yesterday’s concert, I was struck by the difference in style between our well-known English choirs, such as Westminster Cathedral Choir, and the very ‘Italianate’ sound produced by the
Cappella Musicale Pontifica "Sistina". Whereas a choir such as the one at Westminster Cathedral, or most of our English cathedrals, tends towards a clear and disciplined style, it seemed to me that the Sistine Choir was more florid or operatic in its approach to music. In that sense, I believe that the ‘English sound’ is far more suited to performances of Renaissance and Early music, whereas the Papal choir probably lends itself better to later compositions, or what some might call 'the theatrical' or 'grand'. (I am no expert in music, by the way - this is merely my opinion!)
Performing various short pieces, the Sistine Chapel Choir concentrated on Gregorian chant, the works of
Giovanni Pierluigi da Palestrina and three compositions by Lorenzo Perosi. Possibly due to its large size and the rich texture of its voices, I felt that the Cappella Musicale Pontifica managed to produce a powerfully ethereal sound – especially when it came to Gregorian chant. Conversely, I thought that its size – the choir has about 24 adult singers and 35 boys – was rather counter-productive when it came to performing Palestrina. (Could it be that having too many voices / members is risky for a choir?) Those used to hearing this great composer’s music performed by Westminster Cathedral Choir, which is superbly able – through a clear and well-disciplined style – to explore complex emotions and ideas, may have felt a bit confused after hearing the Sistine Choir’s interpretation of his music.
The front cover of the concert programme
Having said that, the Sistine Choir’s majestic sound was quite uplifting at times. In recent decades, the
Papal choir has often been criticised by music lovers - one of the first things that appears after searching "Sistine Chapel Choir" on Google is a website that asks the question: "How bad is the Sistine Chapel Choir?" But those present at last night's event may have been pleasantly surprised; many probably left feeling that the Papal choir was actually quite good - far better than some of its critics would have us believe.
Yes, some purists may have been put off by its rather operatic style, but I thought the Sistine Choir had a much richer tone than that which is often found amongst the sometimes overly precise choirs of northern Europe. And even one of its interpretations of Palestrina left me amazed by its beauty – I refer to part of the
Good Friday reproaches, Popule meus. In fact, I thought this may even have been the best version of this piece of music that I have ever heard! Perosi’s Qui operatus est and Tu est Petrus were also brilliantly performed – the former lacked the Italian tendency towards falsetto (or vibrato), whilst the latter really was grand, majestic and moving in a way that some choirs here in the - dare I say, 'repressed' - UK would possibly find hard to emulate.
After the concert, Archbishop Vincent Nichols expressed his gratitude to the Pope for sending his personal choir to Westminster Cathedral – referring to the event as "a great honour". He also mentioned the fact that the concert was a means of marking Pope Benedict XVI’s visit to Britain, and his Mass at the Cathedral. After saying that the Sistine Choir had provided “food for our souls and our spirits”, the Archbishop went on to speak in Italian, specifically thanking Mgr Palombella and the members of the Cappella Musicale Pontifica "Sistina" for their performance. The Archbishop of Westminster ended his speech with a prayer from the heart.
Mgr Massimo Palombella also addressed those present – the Cathedral was packed and many had to stand throughout the concert.
After praising Westminster Cathedral Choir and its director, Martin Baker, Mgr Palombella said that the Pope desired a greater collaboration between his choir and the choirs of Westminster Cathedral and Westminster Abbey. It seems that the Holy Father was impressed by the music he had heard in London during the 2010 Papal visit. In fact, Palombella went on to say, through an interpreter (Richard Rouse, an English member of the Cappella Musicale Pontifica, who also organised last year’s bloggers conference at the Vatican), that the Holy Father had “pushed” the Sistine Chapel Choir to collaborate with the English
choirs. He also said that the Pope had expressed a desire to see ecclesiastical music used as a means of fostering true ecumenical ventures – Benedict XVI has invited Westminster Abbey Choir to sing during the Papal Liturgies for this year's Feast of St Peter and St Paul.
Before ending the evening, the Cappella Musicale Pontifica "Sistina" performed one last piece, which was beautiful, moving, and refined. It was a motet composed by Mgr Palombella in thanksgiving for his appointment as Maestro of the Sistine Chapel Choir. Listening to this piece of music, it dawned on me that in Palombella, the Church might even have found herself another Palestrina. It also struck me that it seems the Pope really wishes to see genuine collaboration between the great choirs of Christendom; possibly for the benefit of his own choir, but also for the sake of Europe's lost - and magnificent
- Christian heritage.
All in all, though, everyone present at last night’s concert seemed genuinely moved by the fact that this was a truly historic event – the first time ever that the Pope’s own choir, at his behest, had performed in the UK. Yet again, Pope Benedict XVI has shown particular kindness and generosity towards the people of
Britain - a people who know the ecumenical value of music. The Holy Father is not only a musical Pontiff, he is also the Pope of Christi Unity.
The concert was free, with a collection taken at the end for the St John Southworth Fund. For some of us, last night's event was more 'para-liturgical' than what someone might typically understand by 'a concert'.
AUGUSTO GARAY
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